AN INTERVIEW WITH BÁRBARA WAGNER AND BENJAMIN DE BURCA ABOUT „TERREMOTO SANTO“

Bárbara Wagner and Benjamin de Burca are back at Berlinale Shorts and gave us an impression of their ambition in the new film and told us about future projects.

Born in Brasilia, Brazil in 1980, Bárbara Wagner graduated from the Dutch Art Institute in Arnhem in 2012. Since 2011 Bárbara has been collaborating with Benjamin de Burca, who was born in Munich, Germany in 1975 and studied fine art at the Glasgow School of Art and the University of Ulster. Their work has featured at festivals and in exhibitions including at VideoBrasil, the Panorama de Arte Brasileira and the Biennale, all in São Paulo, and at the 2017 Skulptur Projekte Münster. Now based in Recife, Brazil, their collaborative film „Estás vendo coisas“ screened in the 2017 Berlinale Shorts.

This year the filmmaker duo is back with their new work „Terremoto Santo“ – A film about the historically Pernambuco state in the northeast of Brasil that was characterised agriculturally by the sugarcane industry. Today there is a new sector in the economy: various evangelical Christian groups are on the rise. The mantra of the evangelicals is the attainment of improvements in one’s personal and economic situations through adherence to an extreme religious practice. „Terremoto Santo“ focuses on a young generation of priests, producers and singers who hail from a rural area and make gospel music. The filmmakers take into account the environment of the protagonists in order to make ethics, morality and life visible in an aesthetic agglomeration.

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Still from „Terremoto Santo“

What is your ambition in the film?

We are interested in cinema as a form of conversation, which means we don’t think of our films as being ‚about‘ a subject, but ‚in a negotiation with‘ the players of the music genre we are looking at. In ‚Terremoto Santo‘ (as was also the case in ‚Estás Vendo Coisas‘, 67th Berlinale Shorts) we come closer to artists of a young generation who are transforming popular traditions into a contemporary social-media oriented phenomenon. It’s a musical informed by the aesthetics of Gospel songs in a moment when we see the rise of the evangelic church reflected in a massive shift of values in Brazilian society. If it’s important to talk about them, it’s even more crucial to be able to talk to them.

What do you like about the short form?

The nature of short films suits the experimentation we are trying to develop in our practice between visual art and cinema. So, it’s more about how our works reach people whether they are in a museum or in a cinema than about the duration of the short form: a bad film can seem long, while a good film can seem too short regardless of the length it has.

What are your future plans?

We are soon joining a group of poets who are changing how hiphop is perceived in Canada in the production of a new short film that will be exhibited in Front International in July. Back in Brazil, we are further developing a script that might result in a more operatic piece… a feature maybe?

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Benjamin de Burca and Bárbara Wagner

 

 

AN INTERVIEW WITH PAYAL KAPADIA ABOUT „AND WHAT IS THE SUMMER SAYING“

Let us introduce you to the indian director Payal Kapadia, who is participating in this year’s Berlinale Shorts competition.

Born in Mumbai, India in 1986, she is a filmmaker who initially studied economics and worked in advertising before, in 2012, taking up a degree in film directing at the Film and Television Institute of India (FTII) in Pune. Payals short films have already screened at various festivals including the Cinéfondation at the 2017 Festival de Cannes. With her shortfilm „And What Is the Summer Saying„, the director is represented for the first time at Berlinale Shorts.

The film tells the story of an indian village: The summer has its own songs. Whispering softly, they make their way to us from the depths of the jungle. Once a tiger prowled the village. The father doesn’t tell his son about this, as he holds him tight. In calm takes that concede the jungle its beauty, stature and deep serenity, the images move between the immediate and the totality, between the all-too-human and the awareness of the gods who will protect the village. The stories that the villagers tell the director follow a similar order in their sequencing. One leads to the next by association, thus opening up a village cosmos in which the old coexists with the new. Suddenly they appear, the forest creatures – only to vanish the next moment. A strange smoke exudes from the ground, like a dream from a bygone era. ‘People only sing, when they are in love with someone,’ the woman whispers – the day is done. For a brief moment the film is bathed once again in colour.

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Still from „And What Is the Summer Saying“

What is your ambition in the film?

I am interested in that which is not easily seen or cannot be spoken about in the open. Secret desires, anxieties, and unspoken love are difficult for women to openly talk about in India. But if you sit quietly, waiting for the wind in the courtyard of the village, you might hear a whisper of a long lost love. I spent many days in this village, waiting for the wind to bring with it some strands of stories like leaves that fall in the forest floor.

What do you like about the short form?

What is exciting about the short film format is that it’s closest to poetry. Like a haiku, or a short poem, that has seemingly unrelated lines – where the whole is greater than the sum of its parts. It doesn’t need to be explained. You look it at it, as it is. No need to ask: ‚And then?‘

What are your future plans?

The short format really excites me as it is so flexible and open. I am looking forward to try out the possibilities in feature films but also expanding to a cinematic experience which is not limited to the cinema.

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Payal Kapadia

„And What Is the Summer Saying“ will be screened several times during the Festival. Check the Dates here!

AN INTERVIEW WITH CLÉMENT PINTEAUX ABOUT ‚DES JEUNES FILLES DISPARAISSENT‘

Clément Pinteaux was born in Paris, France in 1992 and studied literature and philosophy. The young filmmaker took up an editing course at La Fémis film school in Paris in 2013. His films blend fictional, documentary and mythical narratives. „Des jeunes filles disparaissent (Young Girls Vanish)“ is Cléments graduation film and at the same time his first film to be screened at Berlinale.

De jeunes filles disparaissent (Young Girls Vanish)“ tells the story of 58 girls that were devoured by a wolf in French Essonne between 1652 and 1657. Four centuries later, young women are disappearing again in the same region. Clément Pinteaux sets out in search of clues. Crosses on a map mark the locations where the girls were attacked and found back then. A young woman talks about the one who vanished – a woman similar to her and yet different, whose work she continues. Pinteaux observes the girls in their surroundings, together, on the job. Who will be next? Will there be a next time? Situated between staging and documentation, the film meets the girls on an equal footing – tracing moments of potential threat.

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Still from „Des jeunes filles disparaissent (Young Girls Vanish)“

What is your ambition in the film ?

Initially I wanted to make a film from the legends about the wolf in France. Then I discovered this historical episode of the XVII century which tells that a wolf had devoured 58 girls in Gâtinais, France. I knew nothing about the girls, only their name, the date of their death, and the way they had been killed. Returning to the site, I met the girls who lived there today and through them I tried to find these girls of the seventeenth century, to revive them. There is a bridge between all these girls who disappear.

What do you like about the short form ?

The short form interests me because it allows to make films that only hold on a feeling, an impression.

What are your future plans ?

I’m currently writing a film about modern miracles. Otherwise, I work mainly as editor, I have several upcoming film projects with directors that I like very much.

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Clément Pinteaux

„Des jeunes filles disparaissent (Young Girls Vanish)“ will be screened in the Berlinale Shorts Competition. You can get your tickets here.

 

AN INTERVIEW WITH REKA BUCSI ABOUT ‚SOLAR WALK‘

Réka Bucsi  is back at Berlinale Shorts and answers some questions about herself and her new shortfilm.

She was born in Filderstadt, Germany in 1988 and studied animation at the Moholy-Nagy University of Art and Design (MOME) in Budapest between 2008 and 2013. Furthermore the filmmaker attended Animation Sans Frontières (ASF) in Viborg, Denmark, where she also participated in the Open Workshop’s artist-in-residence programme. Réka Bucsi has also been artist in residence at Q21 in Vienna, Austria and presented „Symphony no. 42“ (2014) and „LOVE“ (2016) at Berlinale Shorts previously.

This year the director from Denmark is participating in the Berlinale Shorts Competition with her film „Solar Walk“, wich follows the journey of individuals and their creations in space. Flags are planted. Hands are held. First steps are taken on new worlds. And then the giant lets out a stream of black piss and pees a brand new universe. Two creatures jump into the new blackness of space. They become one with the new world. “Whoever you are. Where you are. And whatever you are. You are in the middle,” Alan Watts reflects in David OReilly’s ‚Everything‘ (Berlinale Shorts 2017). Bucsi pursues this question further, entering into a dialogue.

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Still from ‚Solar Walk‘

What is your ambition in the film?

It was to make a movie, that just gets the viewer out of their skin for the time they are watching it. I wanted to create a careless journey through mind and space.
I find it hard to focus on individual subject matters smaller than the universe itself. Creation, and the question of motivation and ambition were my ambitions.

What do you like about the short form?

I like that shorts have an easy approach to the experimental form of storytelling. You can do pretty much anything that challenges classical narrative forms.
I enjoy that tiny details can play the lead role.

What are your future plans?

I want to make a feature film that enhances what I like about short films.

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Réka Bucsi

„Solar Walk“ is going to be screened five times during the Berlinale Filmfestival. Get your tickets here!

AN INTERVIEW WITH JAYISHA PATEL ABOUT ‚CIRCLE‘

It is the second time that Jayisha Patel will be part of Berlinale Shorts and we have had the chance to hear a few words about her film ‚Circle‚ and future plans.

Born in London, UK in 1987, Jayisha Patel first studied economics at Nottingham University and then film at the Escuela Internacional de Cine y TV in Cuba and the National Film and TV School in the UK. Her short films have screened at renowned international festivals. Jayisha Patel first participated in the Berlinale Shorts Competition in 2014 with her documentary film ‚A Paradise‘. Her work seeks to give a platform in particular to women of colour who are fighting stereotypes. ‚Circle‚ is a film about present-day India. Three men sit at the edge of a field smoking. A woman is crouched in the field working. Another is cleaning the floor in the house. Two young women are shucking peas. One of them tells her sister about her rape and who she blames. It’s her own grandmother’s fault. The fire blazes away out in the field. A film about the cycle of violence and the possibility of escaping it.

22 films from 18 countries will be competing for the Golden and the Silver Bear, as well as the Audi Short Film Award, worth € 20,000, and a nomination for the European Film Awards.

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Still from ‚Circle‘

What is your ambition in the film?

With ‚Circle‘, I wanted to take viewers into Kushbu’s internal world. This is a world that is not seen, but rather felt. The intention was to juxtapose the stunning rural landscapes of Utter Pradesh, with the dark reality of her internal life, so as to challenge the viewer in a visceral way. I hope by doing so, viewers can tap into the unspoken within themselves.

What do you like about the short form? 

I love how short films have this particular type of emotional charge to them. They can be a force of nature, entering with a huge amount of energy and then out of nowhere, disappear, leaving embers behind. They are an opportunity to close a chapter rather than a book, leaving the viewer with many questions unanswered. This is a wonderful thing because it enables the viewer to linger on the film long after they have left the cinema. For me, a short film is also an opportunity to invite a viewer to inhabit a space, rather than explaining all of that space. This is because there is no time to explain everything so the short form becomes this beautiful space to just connect and translate pure emotion. I also love how the limitations associated with making a short film can also force the film to find an inner language. It’s this inner language that I feel can enable a film to take on unconventional approach, leading to potentially bolder pieces of filmmaking. Lastly, I love that structurally, you cannot afford to digress in the same way you can with a feature will. This means you have to have a very rigorous approach to understanding your character and translating that onto the screen. There is nowhere to hide and therefore in doing so, you also confront yourself a lot as a creator, in the hope that the viewer can in turn do so, too.

What are your future plans?

I am currently an artist in residence at Somerset House in London, where I am working on an emotionally responsive virtual reality experience, called ‚After The Fire‘. It is supported by Anidox and the Danish Film Institute. I work a lot at the intersection of documentary filmmaking and technology and this project has really pushed me to explore both forms to their maximum. I am also developing my first narrative feature. A cinematic hybrid set in London dealing with race and womanhood.  Coming from a minority background, I feel that a lot of our narratives have been appropriated, which can be painful at times, and told from a Eurocentric/western gaze so the film is essentially about taking that narrative back, owning it and telling it with nuance from a place of solidarity.

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Jayisha Patel

Check out the screening scedule and make sure to get tickets.

AN INTERVIEW WITH MANQUE LA BANCA ABOUT ‚T.R.A.P‘

22 films from 18 countries will be competing for the Golden and the Silver Bear, as well as the Audi Short Film Award, worth € 20,000, and a nomination for the European Film Awards. ‚T.R.A.P.‚ is one of them. Filmmaker Manque La Banca is answering to some questions in this interview about ‚T.R.A.P‘, the special about shortfilms and his future plans.
Born in Bariloche, Argentina in 1990, Manque La Banca studied film at the Facultad de Bellas Artes in La Plata and photography at the Sindicato de la Industria Cinematográfica Argentina (SICA) in Buenos Aires. In 2012 he and his brother, Antu La Banca, set up the Parquee label for films and music. He has directed various shorts and a feature film and works with Super 8 and 16mm; also released several albums with his band ‚Nunca fui a un parque de diversiones‘. Manque La Banca develops all his films at his own film lab at home.
So he did with ‚T.R.A.P‚ – A film about a mystical place telling an enchanted story: A group of knights go ashore on the banks of the Río De La Plata. They are searching for a grave to perform a ritual. As they pass through the jungle, things happen that cause them to land in the present day. This past summer an individual disappeared during altercations with the police and demonstrations in southern Argentina. “Never again” has been the widespread sentiment since the end of the dictatorship in Argentina, now the old threat seems to be looming again. The filmmaker takes up prevalent stereotypes and breaks them open in order to tell his own story free of hegemonial interference.

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Still from ‚T.R.A.P‘

What is your ambition in the film?

I wanted to tell a story that started on a romantic universe and ended up becoming an intimist contemporary tale, showing a facet of young dissidents in this current Argentina governed by the most conservative political party that the country has had in the last 40 years.
Another interesting point that we explore on ‚T.R.A.P‘ are related to sexual diversity as a form of resistance to dominant discourse. With ‚PARQUEE‘ our audiovisual label, we have been investigating the breaking of stereotypes through images. We are convinced as audiovisual artists that in order to disarm the power structures that govern the world, it is necessary to create stories that question from the heteronormative logics.

What do you like about the short form?

The short form allows to experiment with small ideas that can be the germ of something bigger. There is a kind of liberty on the short films that is difficult to find in other kind expressions. In my case this liberty is achieve with lot of planification, when I start a project of a short film I immerse myself in a meditative state, I draw a lot of images and I write in a free poetic way. For me is very important to find the axis of ideas on paper, because I have a limited amount of time.

What are your future plans?

At the moment I’m writing a new feature film called ‚JERMANS‘. It is a film whose story is derived from ‚T.R.A.P‘ the short film that I am presenting at the Berlinale. I’m exploring the mix between adventure genre films and experimental cinema.

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Manque La Banca

 

Make sure to get tickets for the screenings during the Berlinale Filmfestival!

SAVE THE DATES

Audi Short Film Award: Maike Mia Höhne In Conversation With Karam Ghossein
Sunday, February 18, 4-5pm

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Director Karam Ghossein received the Audi Short Film Award for „Street of Death“ in 2017. Maike Mia Höhne, curator of Berlinale Shorts, meets Ghossein at Berlinale Open House for a talk about his work.

Venue: Audi Berlinale Lounge, Marlene-Dietrich-Platz

Open to the public, no pre-registration required.

U-/S-Bahn Potsdamer Platz
Bus M41, M48, 200

– The talk will be in English language –

 

Notes on Cinema #68: Between Staff Pick, Market & Archive
Thursday, February 22, 2-4pm

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In cooperation with the Embassy of Canada

A panel discussion on the longevity and visibility of films on the internet and in archives.

How can we expand the film canon? How can we access films which are no longer viewable? Is digitization a possibility to (re-)access films which have been lost or overshadowed?
With Mark Toscano (Academy Film Archive), Jeffrey Bowers (Vimeo), Lauren Howes (Canadian Filmmakers Distribution Centre) and Jayisha Patel (filmmaker).

The short films Le Tigre de Tasmanie by Vergine Keaton (Berlinale Shorts), Circle by Jayisha Patel (Berlinale Shorts) and Nuuca by Michelle Latimer (Generation) will be screened. Followed by a Q&A. The panel discussion will begin at 3pm.

Venue: Embassy of Canada, Leipziger Platz 17, 10117 Berlin
Free admission.

Registration required: https://www.eventbrite.de/e/berlinale-shorts-notes-on-cinema-68-tickets-42232959920?aff

Please present a valid photo-ID at the door and allow sufficient time for Embassy security.

 

Berlinale Shorts Party 2018 at Säälchen
Thursday, February 22, 11pm – 5am

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Let’s have a party and dance through the night! Our Berlinale Shorts DJs »Bassito / Tropeninstitut, Chrischan & Alice« will heat you up!

Where: Säälchen, Holzmarktstr. 25, 10243 Berlin
When: Thursday, February 22, 2018
Doors: 11pm
Entrance: 5€

Boom shakalaka!

 

Artist Talks: Berlinale Shorts I – V at CinemaxX
Monday, February 19 – Friday, February 23, right after the 4pm screening

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Q&A with the filmmakers

Where: CinemaxX Potsdamer Platz, CinemaxX 5
When: approx. 6pm, right after the 4pm screening

Monday, February 19

BERLINALE SHORTS I: Hohe Bäume werfen kurze Schatten / Tall trees throw short shadows

Tuesday, February 20

BERLINALE SHORTS III: Vom Rausch des Lebens / Ecstasy of life

Wednesday, February 21

BERLINALE SHORTS V: Step across the yesterday

Thursday, February 22

BERLINALE SHORTS II: Im Kreis oder Blitze aus dem All / Inside the circle or lightning from outer space

Friday, February 23

BERLINALE SHORTS IV: In der Nacht ist das Flüstern ein Tosen / In the night a whisper is a roar

Everyone is welcome to enter this conversation! Free entrance to the talk after the screening.

16 AUGEN SEHEN MEHR ALS ZWEI

Auf der Suche nach den interessantesten Einreichungen

Im Sichtungsraum herrscht mittlerweile Stille: Die Kaffeetassen sind weggeräumt und der Projektor stößt keine warme Luft mehr aus. Auch Alejo Franzetti, Anna Henckel-Donnersmarck, Egbert Hörmann, Maria Morata, Saskia Walker, Simone Späni und Wilhelm Faber, die mit all ihren individuellen Erfahrungen und Expertisen mit Maike Mia Höhne zusammensaßen, finden sich morgens nicht mehr im Büro ein. Als siebenköpfiges Gremium lieferten sie der Berlinale Shorts Kuratorin bei der Filmauswahl einen inspirierenden Rahmen und standen ihr mit kritischer Unterstützung beiseite.

Durch die immer größer werdende Zahl der Einreichungen in den letzten Jahren hat sich zur 68. Berlinale auch das Gremium der Berlinale Shorts erweitert. „Es geht auch darum, die Vielfältigkeit der Perspektiven weiter ausschöpfen zu können“, so Maike Mia Höhne.

(v. l. Egbert Hörmann, Kuratorin Maike Mia Höhne, Simone Späni, Wilhelm Faber, Maria Morata, Anna Henckel-Donnersmarck, Alejo Franzetti, Saskia Walker)

 

Lasst sie uns kurz genauer vorstellen:

Der Filmemacher Alejo Franzetti war Mitbegründer und Kurator des in Berlin veranstalteten INVASION – das argentinische Filmfestival, nachdem er Filmregie an der Universidad del Cine studierte sowie Meisterschüler bei Thomas Arslan an der Universität der Künste Berlin war. Seit fünf Jahren wohnt er nun in Berlin und bereichert das Auswahlgremium der Berlinale Shorts erstmals mit seinen Blicken.

Anna Henckel-Donnersmarck ist klassisch ausgebildete Filmemacherin und realisiert heute vorwiegend Videoinstallationen für Bühneninszenierungen, Musikperformances und Ausstellungen. Sie ist als Dozentin für Film und Video tätig und arbeitet seit nunmehr 20 Jahren in Auswahlkommissionen und als Moderatorin für eine Vielzahl von Filmfestivals – für die Berlinale Shorts schon seit 10 Jahren. Nach Stationen in Indonesien, Japan, England, New York und Ludwigsburg lebt sie jetzt in Berlin.

Egbert Hörmann ist ein altbewährtes Gesicht bei der Berlinale. Begonnen 1995 für die Sektion Panorama, ist er seit ihrem Bestehen Gremiumsmitglied der Sektion Berlinale Shorts. Er ist Kulturjournalist, Autor von zwei Büchern mit Essays und Herausgeber von Anthologien – studierte Amerikanistik, Anglistik und lebt hauptsächlich in Berlin, gerne auch in Sankt Petersburg.

Schon seit 2009 ist die freiberufliche Kuratorin und Universitätsdozentin Maria Morata Mitglied der Auswahlkommission. Sie hat in Madrid, Paris und Berlin studiert. Mit dem Schwerpunkt in experimentellem und Avant-Garde Film trägt sie zu den diversen Perspektiven bei, die bei der Auswahl der Filme von hoher Bedeutung sind.

Die Filmemacherin, Kuratorin und Übersetzerin Saskia Walker studierte und arbeitete in Frankreich und Russland und ist seit 2011 stetiges Mitglied des Auswahlgremiums der Sektion Berlinale Shorts. Neben der Arbeit im Gremium ist sie außerdem Mitherausgeberin von Revolver – Zeitschrift für Film.

Für Filmkuratorin Simone Späni ist es das erste Jahr im Gremium der Berlinale Shorts. Die Erfahrungen, die sie als Mitglied der Auswahlkommission und Vorstandsmitglied bei den Internationalen Kurzfilmtagen Winterthur gesammelt hat, lässt sie in ihre Arbeit einfließen. Des Weiteren ist sie Mitunterstützerin von REALNESS – An African Screenwriter Residence in Südafrika und arbeitet in den Bereichen Filmproduktion, Musik und Theater in Zürich, Genf und Kigali.

Seit nun mehr 25 Jahren arbeitet auch Wilhelm Faber für die Berlinale. Neben Programmkoordination und Organisationsentwicklung ist die Auswahl von Kurzfilmen im Gremium beständiger und immer anregender Teil seiner Arbeit.

 

Gesichtet wird immer von mindestens zwei Personen, bevor die Filme, die es auf die Warteliste geschafft haben, in großer Runde vom gesamten Gremium besprochen werden. Und wie im Leben abseits des Berlinale-Trubels auch, prallen unterschiedliche Ansichten gerne mal aufeinander und es herrscht nicht immer Einigkeit. Manchmal aber auch doch, dann gibt es diese magischen Momente und Entdeckungen, bei denen es kaum noch Diskussionsbedarf gibt: „Das passiert, wenn wir eigentlich alle vor lauter Hingucken gar nicht mehr denken können – was natürlich ein wunderbarer Moment ist, weil der Film einen dann im Ganzen ergreift. Warum das so ist, wird natürlich dennoch hinterfragt.“

Für dieses Jahr ist ihre Arbeit vollbracht – sie haben einander ein letztes Mal tief in ihre 16 Augen geblickt und sich für 24 Filme entschieden – zwei davon laufen außer Konkurrenz. Die ausgewählten Filmemacher*innen konkurrieren nun mit ihren neuen Werken um den Goldenen und Silbernen Bären sowie den mit 20.000€ dotierten Audi Short Film Award und die Nominierung für den besten Kurzfilm  für die European Film Awards.

Los geht’s – hier ist das Berlinale Shorts Programm 2018!

 

Berlinale Shorts 2018: International Competition and the Special Programme “1968 – Red Flags For Everyone!”

german version

Kushbu Devi in Circle by Jayisha Patel

22 films from 18 countries will be competing for the Golden and the Silver Bear, as well as the Audi Short Film Award, worth € 20,000, and a nomination for the European Film Awards. The Nigerian film Besida by Chuko Esiri and the Austrian film The Shadow of Utopia by Antoinette Zwirchmayr will be screened out of competition. This year’s Berlinale Shorts competition includes films by João Salaviza, Réka Bucsi, Bárbara Wagner & Benjamin de Burca, Manque La Banca, Sylvia Schedelbauer, Ulu Braun, Arash Nassir, João Viana, among others. In addition the Berlinale Shorts will present a special programme about 1968.

The short films in this year’s international competition look reality in the eye and actively contribute to the current socio-political discourse. Different strategies of empowerment are brought to bear. Self-determinedly, the filmmakers capture small moments, local stories and topics, and connect them to events of great impact. Whether the films are animated, documentary or fiction – experimentation is the order of the day. The performative element is part of the strategy. Gender relations and power structures are still far from being equal or balanced, but they are the subject of these works.

In City of Tales by Arash Nassiri, a polyphony of Persian dialects can be heard that turns Los Angeles into Teheran. The sites of memory are the cities of others. In Onde o Verão Vai (episódios da juventude), Portuguese director David Pinheiro Vicente stages a queer exodus from the Garden of Eden and so rethinks the beginnings of humankind. In her documentary Circle, Jayisha Patel shows how the family can be a breeding ground for the trafficking of women. It is the grandmother who accepts money for her granddaughter’s rape. For the first time, a film from Rwanda will be shown in the competition, the co-production Imfura by Samuel Ishimwe.

Berlinale Shorts is interested in fictional narratives that go beyond the usual formats, and is open to creative means that find new dramaturgical forms for elevating tension and suspense.
In 2018, the members of the International Short Film Jury are Portuguese filmmaker and winner of the Golden Bear for Best Short Film at the Berlinale 2017, Diogo Costa Amarante; US filmmaker and curator Mark Toscano; and South African filmmaker and academic Jyoti Mistry (see press release from ).

Farbtest Rote Fahne by Gerd Conradt

50 years since 1968: The Berlinale Shorts special programme “1968 – Red Flags for Everyone” will present aesthetic strategies that are still relevant to this day. “Without raising the question of social unrest, it would be impossible to examine 1968 – the subjective gaze in its aesthetic diversity is the kaleidoscope that makes the conditions then accessible today. By radically reducing everything to the material itself, the artists free film from any sort of narrative and allow a new reality to become apparent,” states Berlinale Shorts curator Maike Mia Höhne.

In Programmhinweise, Christiane Gehner ponders gender roles: “I’m not sure, but sometimes it feels like it might be better to just comply with men’s demands – for isolation is even worse than suppression.” In Antigone, Ula Stöckl discloses the structures involved in imbalances of power. In Na und…?, Marquard Bohm and Helmut Herbst reveal – at the home of Bohm’s own family in Hamburg – the often-depicted fustiness hidden beneath the academic gown. Dore O. describes her film Alaska as a dream about herself, as a consequence of interacting with society. In 1968, Helmut Herbst and Dore O. were founding members of the first Hamburg Filmmakers’ Cooperative, which radically influenced contemporary social discourse with their films.

Films screening in the Berlinale Shorts 2018:

After/Life, Puck Lo, USA, 15’ (WP)
Alma Bandida, Marco Antônio Pereira, Brazil, 15’ (WP)
And What Is the Summer Saying, Payal Kapadia, India, 23’ (WP)
Babylon, Keith Deligero, Philippines, 20’ (IP)
Besida, Chuko Esiri, Nigeria, 12’ (WP) – out of competition
Blau, David Jansen, Germany, 15’ (WP)
Burkina Brandenburg Komplex, Ulu Braun, Germany, 19’ (WP)
Circle, Jayisha Patel, Great Britain / India / Canada, 14’ (WP)
City of Tales, Arash Nassiri, France, 21’ (WP)
Coyote, Lorenz Wunderle, Switzerland, 10’ (WP)
Imfura, Samuel Ishimwe, Switzerland / Rwanda, 36’ (IP)
Imperial Valley (Cultivated Run-Off), Lukas Marxt, Germany / Austria, 14’ (WP)
Des jeunes filles disparaissent, Clément Pinteaux, France, 16’ (IP)
Madness, João Viana, Mozambique / Guinea-Bissau / Qatar / Portugal / France, 13‘ (WP)
The Men Behind the Wall, Ines Moldavsky, Israel, 28’ (WP)
Onde o Verão Vai (episódios da juventude), David Pinheiro Vicente, Portugal, 20’ (WP)
Russa, João Salaviza & Ricardo Alves Jr., Portugal / Brazil, 20’ (WP)
The Shadow of Utopia, Antoinette Zwirchmayr, Austria, 23’ (IP) – out of competition
Solar Walk, Réka Bucsi, Denmark, 21’ (WP)
Terremoto Santo, Bárbara Wagner & Benjamin de Burca, Brazil, 20’ (IP)
Le Tigre de Tasmanie, Vergine Keaton, France, 14’ (WP)
T.R.A.P, Manque La Banca, Argentina, 16’ (WP)
While I Yet Live, Maris Curran, USA, 15’ (IP)
Wishing Well, Sylvia Schedelbauer, Germany, 13‘ (WP)

Berlinale Shorts special programme “1968 – Red Flags for Everyone”

Alaska, Dore O., Federal Republic of Germany, 18‘, 1968
Antigone, Ula Stöckl, Federal Republic of Germany, 9‘, 1964
Farbtest Rote Fahne, Gerd Conradt, Federal Republic of Germany, 12‘, 1968
Fundevogel, Claudia von Alemann, Federal Republic of Germany, 22‘, 1967
I Ruhrområdet, Peter Nestler, Sweden, 34‘, 1967
Ja/Nein, Ernst Schmidt jr., Austria, 3‘, 1968
Kunst & Revolution, Ernst Schmidt jr., Austria, 2‘, 1968
My Name is Oona, Gunvor Nelson, USA, 10‘, 1969
Na und…?, Marquard Bohm & Helmut Herbst, Federal Republic of Germany, 33‘, 1966
Programmhinweise, Christiane Gehner, Federal Republic of Germany, 10‘, 1970
Rohfilm, Birgit & Wilhelm Hein, Federal Republic of Germany, 20‘,
Tapp und Tastkino, VALIE EXPORT, Austria, 2‘, 1968

International Short Film Jury 2018

 

We are more than happy to officially announce the members of our 2018 International Short Film Jury: Diogo Costa Amarante, Jyoti Mistry and Mark Toscano!

 

german version

Portuguese filmmaker and winner of the Golden Bear for Best Short Film at the Berlinale 2017, Diogo Costa Amarante; US filmmaker and curator Mark Toscano; and South African filmmaker and academic Jyoti Mistry will make up the International Short Film Jury in 2018. They will award the Golden and the Silver Bear, as well as the Audi Short Film Award. In addition, they will nominate a film for the European Film Awards in the category European Short Film 2018. “The diverse perspectives that Mark Toscano, Jyoti Mistry and Diogo Costa Amarante bring to the jury portend a well-versed, young and contemporary discussion on the 2018 selection,” comments Maike Mia Höhne, curator of Berlinale Shorts.

 

Diogo Costa Amarante (Portugal)

Diogo Costa Amarante completed his Master of Fine Arts at New York University / Tisch School of the Arts in 2016 with his film Cidade Pequena, which celebrated its international premiere at the 67th Berlinale in 2017 and received the Golden Bear for Best Short Film. Amarante is a member of the widely acclaimed third generation of Portuguese filmmakers, whose works have established an impressive position for Portugal in the cinematic world. His first film Jumate/Jumate received accolades at many festivals, and in 2007 he received a scholarship for documentary film and cinematography at the School of Cinema and Audiovisuals of Catalonia (ESCAC). In 2009, he was a participant at Berlinale Talents, and shot his second documentary film In January, perhaps.

© Heinrich Völkel / Berlinale 2017

 

Jyoti Mistry (South Africa)

Filmmaker Jyoti Mistry is an Associate Professor and Deputy Head of Division at the Wits School of Arts in South Africa. She received the CILECT Teaching Award (The International Association of Film and Television Schools) in 2016 in recognition of her outstanding achievements in film pedagogy and film practice research. Her research areas include cultural policy, questions of identity, and multiculturalism. Her experimental film The Bull On the Roof (2010) celebrated its debut at the Durban International Film Festival and was presented at the Galerie nationale du Jeu de Paume in Paris, among other institutions. Her feature film Impunity (2014) celebrated its premiere at the Toronto International Film Festival, and her most recent short film When I Grow Up I Want to Be a Black Man was a competition selection at the short film festival Winterthur in 2017. Her publications include “’we remember differently‘: Race, Memory, Imagination” (2012), “Gaze Regimes: Film and Feminisms in Africa” (2015) and “Places to Play – Practice, Research & Pedagogy” (2017) which was adapted for the screen.

© Lauren Mulligan

 

Mark Toscano (USA)

Mark Toscano has functioned as curator and presenter of stand-out programmes for many noted institutions such as The Museum of Modern Art, Arsenal – Institute for Film and Video Art, EYE Filmmuseum, Tate Modern, Los Angeles Filmforum, as well as for festivals in Rotterdam, London, Oberhausen, Zagreb and Bangalore. In addition, he lectures on experimental film and archiving at numerous universities. At the California Institute of the Arts, he is an instructor in the history of experimental animation. A distinguished filmmaker and curator, Mark Toscano has been a contributor to the conservation of cinematic heritage at the Academy Film Archive since 2003, where he specialises in the restoration of independent, experimental and documentary films, maintaining exchange with over 100 international filmmakers.

© Dave Filipi

STRATEGIEN EINES DOKUMENTARISCHEN NARRATIVS

Drei Blicke auf Erzählung im dokumentarischen Sujet.

Von Maike Mia Höhne.

I / AVANT L’ENVOL

Vor dem Abflug, so heißt der Film der Schweizer Fotografin Laurence Bonvin. Bonvin wandert durch die ehemalige Hauptstadt der Elfenbeinküste Abidjan. Sie besucht Gebäude und Orte, die vor und nach der Unabhängigkeitserklärung von Frankreich 1961 im Zentrum Abidjans, in dem Bezirk Plateau, gebaut wurden.  Plateau bildet auch heute noch das wirtschaftliche und zu Teilen politische Zentrum des Landes, auch wenn seit 1983 Yamoussoukro die administrative Hauptstadt ist.

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Plateau. Schönheiten in Beton. Reflektionen einer Idee von Größe und Kraft. Die Utopie in Beton gegossen. Höhe und Luft geben Raum für den Neuanfang. Manches bröckelt, vieles ist seiner Eleganz ungenommen. Vor allem die Decken und Reliefs, die Farben und Bögen sind ungebrochen. Bonvin mischt sich mit ihrer Präsenz als Filmerin nicht ein. Ihre Totalen lassen Raum für die Menschen, die sich dort bewegen und den Blick des Zuschauers, um anzukommen. Die Bewegungen der Menschen in den Cadragen wirken wie inszeniert, wie gedacht. Elegant. Kein Blick in die Kamera, und trotzdem kein Gefühl des Jetzt-nicht-Schauens-und-doch-Wollens. Im Gegenteil. Fast wie unsichtbar steht Bonvin den Gebäuden mal näher mal weiter entfernt gegenüber. Selten taucht ein Weißer auf. Wie eine Choreographie entfaltet sich so der Spaziergang durch die Stadt. Es sind die Kontraste zwischen schwarz und weiß, hell und dunkel, Einblicken, Ausblicken- die diesen Film so besonders machen. In den strengen Cadragen, die zugleich transparent und vom Licht getragen sind, werden Gegenwart und Vergangenheit zugelassen. Mit der Unabhängigkeit kam die Entscheidung, die Nähe zu Frankreich weiterhin zu praktizieren, nicht zu brechen. Kakao und Kaffeeplantagen machten das Land zu einem der reichsten seiner Region. Erst der Verfall der Kakaopreise rief eine große Krise hervor, die immer noch nicht beendet ist. Ein Bürgerkrieg hat die letzte Dekade bestimmt. Bestimmt sie immer noch. Die Gebäude stehen noch. Mit einer großen Ruhe dürfen wir diese Architektur betrachten, die von dem großen Selbstbewusstsein und einer anderen Zeit erzählt.

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Vor einem Hauseingang, an dem „alpha 2000“ steht, sitzt ein Mann an einem kleinen Tisch neben dem Eingang. Ich muss an Havanna denken. Nicht an den Malecón, sondern an eine der großen Einkaufsstraßen zwischen Havanna Viejo und Chinatown, zwischen zwei Vierteln, wo Platz war für große Einkaufspaläste. Einkaufspaläste, die geblieben worden sind, in den 1960ern gefüllt waren, die heute noch da sind, in deren Glanz das Gestern sich doppelt spiegelt. Die Unabhängigkeit wirft einen Schatten auf den Menschen an diesem selbstgezimmerten Tisch. Was tut der Mensch? Sitzen und aufpassen oder verkaufen oder da sein? Einfach nur da.

Über der Stadt fliegen die Fledermäuse.  Jeden Morgen fliegen sie aus dem einige Kilometer entfernten Naturpark in die Stadt, mitten ins Zentrum in den Bezirk Plateau, der direkt am Wasser liegt. Dort hängen sie an den Bäumen und warten den Tag ab, um abends, im Abendgrauen, in kreischenden Wolken zurück in den Park zu fliegen. Für die Nacht.

Vor dem Abflug. Der Film ist Bonvins Freundin und Vertrauten Henrike Grohs gewidmet, die im vergangenen Jahr bei einem terroristischen Anschlag in Grand-Bassam ums Leben kam. Henrike Grohs hatte zuvor das Goethe-Institut in Abidjan an der Elfenbeinküste geleitet. Die Ruhe sei uns gegönnt – in Gedanken an Henrike Grohs, aber auch in Gedanken an Architektur als Spiegel von Wandel und Erstarken. Von der in Zement gegossenen Veränderung.

#AFRICAHUB #ARCHTITEKTUR #FOTOGRAFIE #MODERNE # POSTREVOLUTION #UTOPIE

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II/ OH BROTHER OCTOPUS

„Die Eroberung der Erde ist keine schöne Sache“, – so hat Ascan Breuer Joseph Conrad aus dem „Herz der Finsternis“ von 1899 in seinem Film PARADISE LATER (Berlinale Shorts 2010) zitiert. In PARADISE LATER kondensiert Breuer Gedanken von Conrad mit einer Flussfahrt entlang einer Millionenmetropole in Asien. Der Dreck im und am Fluß mutet fast als abstrakte Kunst an: Kombination aus bewohntem Müll, langsamer Fahrt und historischen Gedanken, die wirken wie aus einem ambitioniertem Kommentar zum gesellschaftlichen Zustand. Kaum zu glauben.

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Das Goethe Institut in Indonesien fragt deswegen laut anlässlich des Films: „Wie überleben marginalisierte und unterdrückte Bevölkerungsschichten inmitten der Highspeed Modernisierung, an der sie nicht Teil haben. … Welche Rollen spielen Traditionen und Mythen in einer Gesellschaft, die schnell in die Moderne drängt?“

2017 sieht das nicht besser aus als vor einigen Jahren oder auch vor über 100 Jahren. Florian Kunert, wie Ascan Breuer Student der Kunsthochschule für Medien Köln, trifft in Indonesien auf einen sich an Geschwindigkeit nicht zu überbietenden Kapitalismus. Kunert ist auf der Suche nach Bildern und einer Komposition, die diesem Umbruch ein Narrativ entgegenstellen können. Einer jener Mythen, nach denen gefragt wird, und die eben doch Teil des Alltags sind, nimmt Kunert als Zentrum seiner Suche. Kunert besucht Seenomaden in Indonesien.

Wenn ein Kind geboren wird, so sagt es der Mythos, dann wird gleichzeitig ein Oktopus geboren. Auf beide Wesen muss adäquat geachtet werden, das Gleichgewicht zwischen beiden darf nicht ins Wanken geraten- wenn dem so ist, sein sollte, dann gerät die Welt ins Wanken. Und die Welt ist ins Wanken geraten.

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Die Seenomaden, als Nomadenvolk sowieso Randgruppe – stigmatisiert, isoliert und oft auch von Bildung und Gesundheitssystem ausgeschlossen, haben wenig Chancen auf ein Mehr, auf eine wirkliche Teilhabe. Um wenn sie teilnehmen am gesellschaftlichen Aufstieg, zahlen sie einen hohen Preis. Die Meerjungfrau opfert ihre Zunge, ihre Sprache. Die Nomaden wissen um ihre Geschichte und haben doch keine Chance.

Verschiedene Situationen, Interviews, Subjektiven, Montagen à la Eisenstein geben Kunerts Film eine Dynamik, die als experimentell beschrieben werden kann. Es ist schwer, eigentlich unmöglich, aus dem Moment der Veränderung heraus die Geschichte als solche zu beschreiben. Faktisch. Noch ist nicht belegt, welches Telefonat in die berühmten Geschichtsbücher eingehen wird. Aber es ist möglich, innerhalb dieser Lücke einem anderen Blick Raum zu geben. Die Lücke als solche zu nutzen, für einen kritischen Kommentar, für eine kritische Position, für überhaupt eine Position – mit zwei Beinen, über dem Krater stehend. Fest. Das Vulgäre hat Einzug gehalten. Die von Kunert gewählte Form ist radikal subjektiv – relevant.

Am Ende von OH BROTHER OCTOPUS steht die von Christina von Braun in ihrer Publikation über die Geschichte der weiblichen Hysterie in NICHTICH Logik.Lüge.Libido sehr dezidiert beschriebene Aneignung, Vernichtung, Wiedergeburt im Gezähmten: der Werbetrailer für einen neu zu errichtenden Lebenstraumpark in Form von verschiedenen Skyscrapern verspricht ein Leben im Einklang mit der Natur und ist doch genaues Gegenteil: ausgrenzend und vernichtend. Absurd.

III/ ENSUEÑO EN LA PRADERA

Zwei Menschen stehen in der Mitte einer Wiese. Die Einstellung ist mit einer langen Brennweite aufgenommen worden. So rückt die Größe der Landschaft in den Mittelpunkt. Die beiden in der Mitte werden zum Zentrum.

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Für alles gibt es immer und überall Bilder. Seit gestern auch im Hochformat & immer verfügbar. Und für was es keine Bilder gibt, gibt es eine Erzählung. Und wie kann es eine Begegnung geben, wenn eigentlich schon alles klar ist oder anders, wie verläuft eine solche Begegnung?

2016 präsentierte Esteban Arrangoiz Julien EL BUZO  bei den Berlinale Shorts. Ein bei der Stadt angestellter Taucher begibt sich täglich in die Abwasser der Stadt, um nach Dingen zu tasten, die die Kanäle verstopfen könnten und damit Mexiko-Stadt unter Wasser setzen könnten. Die Abwässer sind so dreckig, dass das Schwarz, das Arrangoiz Julien vorfindet, kein Photoshop für mehr Tiefe braucht. Der Taucher liebt seine Arbeit, seinen Arbeitsplatz, das Dunkel, das Schwarz und die Relevanz seiner Arbeit.

In ENSUEÑO EN LA PRADERA ist es sattes Grün, dass der Filmemacher einfängt. In der Mitte einer großen Wiese stehen zwei Menschen, Mann und Frau, Mitte 20, die sich gerade kennengelernt haben. Das erfahren wir aus dem Voice-Over. Wir erfahren auch, wie er mit 17 in die Vereinigten Staaten gegangen ist, nur um nach vier Jahren zurückzukehren, weil er nie wirklich angekommen ist. Immer seine Heimat vermisst hat. Von hinten über einen matschigen Weg, nähert sich ein Auto. Die Einstellung ist mit einer langen Brennweite aufgenommen worden, was die Dauer der Autofahrt erklärt.

Mexiko, Zurückkommen, Dorf, ein Auto, das sich langsam nähert – es braucht wenig, um den Frame der Drogenkartelle zu aktivieren. Und Arrangoiz Julien hilft bei dieser Aktivierung, ohne es je zu benennen.

Und zum Ende ist es wieder das Schwarz, das Raum lässt für das Konkrete. Die Zukunft.

 

DANIEL POOK IM INTERVIEW MIT MAIKE MIA HÖHNE

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Maike Mia Höhne: Seit nun zehn Jahren begleitest Du die Berlinale Shorts mit der Kamera und führst ausführliche Interviews mit den Filmemachern – alles veröffentlicht auf  „Short Talks“ und dem dazugehörigen Vimeo Channel. Du kamst damals mit Deinem Freund ins Büro, mit der Kamera unter dem Arm und sagtest, du wolltest gerne Interviews führen – mit allen oder wenigstens möglichst vielen der Filmemacher. Und das hast Du dann auch gemacht.

Wie kamst Du, wie kamt Ihr, auf die Idee? 

Daniel Pook: Den ersten Impuls hat uns David O’Reillys animierter Kurzfilm RGB XYZ gegeben. Der lief gleich in der allerersten Berlinale-Vorführung, die wir überhaupt besucht haben. Ich machte meine Anfänge im Journalismus bei einem Videospielmagazin und mich hat sowohl der eigenwillige 3D-Grafikstil als auch die Geschichte als Persiflage typischer Computer-Rollenspiele fasziniert. Direkt nach dem Screening sind wir spontan auf Maike zugegangen und haben uns nach Davids Kontaktdaten für ein mögliches Interview erkundigt. Maike drückte uns noch im Kinosaal ihre komplette Liste mit allen Telefonnummern und Emailadressen der Shorts-Filmemacher in die Hand und da mein damaliger Festival-Begleiter Lucien Noé und ich selber angehende Filmemacher waren – 2006 lernten wir uns an der New York Film Academy kennen – wollten wir nun auch unbedingt die Möglichkeit ergreifen, mit weiteren Regisseuren zu plaudern. Inzwischen führe ich das Projekt mal ganz alleine, mal mit Hilfe meines guten Freundes und Filmpartners Raphael Keric weiter, der dann auch stets die Moderation vor der Kamera übernimmt. (Hier zu finden)

MH: Warum die Kurzfilmer, warum die Berlinale Shorts? 

DP: Gerade durch die Zeit an der New York Film Academy hatten Lucien und ich mit der kurzen Form einfach selber am meisten Kontakt und wir wollten sehen, was andere Regisseure aus aller Welt so damit anstellen. Was mich an der Berlinale darüber hinaus immer besonders fasziniert ist, wie organisch sie überall mitten in der Stadt abläuft. Es gibt kaum Absperrungen, die meisten Filme sind ohne Akkreditierung fürs öffentliche Publikum zugänglich und auch Passanten, die gar keine Zeit haben sich die Filme anzusehen, tragen auf dem Weg zur Arbeit oder zum Einkaufen gerne die Berlinale-Taschen vom Fanartikelstand. Ohne diese Offenheit, die uns als noch sehr junge Buben und ganz normale Zuschauer das Gefühl gegeben hat, einfach mal ohne Voranmeldung die Kuratorin ansprechen zu können, wäre Short Talks bestimmt gar nicht erst entstanden.

MH: Gibt es ein, zwei, drei Kurzfilme aus den Jahren, die die besonders im Gedächtnis geblieben sind und warum?

DP: Night Fishing (Paranmanjang) von Chan-kyong Park und Chan-wook Park ist genau die Art von Filmerlebnis, das ich am liebsten habe. Eigentlich sehr surreal, wie ein nicht ganz greifbarer Traum. Erst nach und nach eröffnet sich eine Realität dahinter, die dem großen Ganzen ein emotionales Fundament gibt. Außerdem ist es einer der besten Geisterfilme, die ich überhaupt je gesehen habe und ich verweise immer wieder darauf, wenn jemand behauptet, man bräuchte eine möglichst teure und große Kamera, um gute Filme machen zu können. Dieser Goldene-Bär-Gewinner wurde komplett auf einem heutzutage antiquierten iPhone 4 gedreht. Nuff said.

Incident by a Bank (Händelse vid bank) von Ruben Östlund ist mit Sicherheit einer der originellsten Kurzfilme, seit ich die Berlinale besuche. Er zeigt in einem einzigen langen Take den komödiantisch missglückten Banküberfall zweier Amateurganoven, während drumherum allerhand absurde Sachen passieren und zwei Zeugen aus der Ferne das Gesamtgeschehen kommentieren. Die Kamera bewegt sich zwar, in Wirklichkeit sehen wir alles aber nur aus einer statischen Perspektive, in die nachträglich digital hereingezoomt wurde. Und wenn ich mich nicht falsch erinnere, hat sich dieses Schauspiel in Wirklichkeit genau so zugetragen, Ruben Östlund selbst war dabei tatsächlich einer der kommentierenden Beobachter.

Say Goodbye to the Story von Christoph Schlingensief gab das Leitmotiv für die Berlinale Shorts 2012 vor und ist seitdem auch irgendwie mein eigenes als Filmemacher geworden. Die Frage, wie bewegte Bilder sich selbst erzählen können, ohne die klassischen Formen des Geschichtenerzählers immer aufs neue und mit immer absurderen Übertreibungen aufgedrückt zu bekommen, hat dieser Film maßgeblich ins Zentrum meiner eigenen Herangehensweise gerückt. Und zwar, indem er mir genau das als Dauerschleife bis zum Exzess gezeigt hat, bis alle durchdrehen und die Zuschauer irgendwie auch.

MH: Gibt es einen Film, muss nicht aus dem Programm der Berlinale Shorts sein, der Dich sehr berührt hat und warum?

DP: Ich bleibe gleich bei den Shorts und komme noch mal auf meine Faszination für die Filme von David O’Reilly zurück, die bei meinem ersten Festivalbesuch entfacht wurde. Sein Goldener-Bär-Gewinner Please Say Something hat trotz abstrakter Welt und animierter Tiere als Hauptdarsteller menschlicher gewirkt, als die meisten Realfilme, die ich kenne. Ihm ist auch das Kunststück gelungen, eine Erzählung mit wenigen Worten über viele Umwege so auf einen berührenden Moment hinauslaufen zu lassen, dass sich die Frage nach der ausformulierten Bedeutung einzelner Szenen gar nicht mehr stellt. Ich spürte, das alles Sinn macht, bevor ich es begriffen hatte und alles was ich dafür sehen musste, war ein Schal. Wenn ich an dieser Stelle über den wunderbaren Tellerrand der Shorts hinausblicken darf, mache ich das natürlich auch gerne. Erst im vergangenen Jahr bin ich auf Julian Schnabels Before Night Falls gestoßen, eine 2000 erschienene Verfilmung der Biografie des kubanischen Autors Reynaldo Arenas. Genau wie bei Night Fishing verschwimmen hier Realität und ein unwirkliches, fast lyrisches Empfinden der Welt, ohne die Bodenhaftung zu verlieren und nur eine beliebige Fantasie zu zeigen. Es ist eben diese ganz besondere Kombination aus surrealer Inszenierung, die trotzdem noch genug Wirklichkeit erkennen lässt, die ich am meisten in Filmen suche. Ganz egal welches Genre oder welche Geschichte erzählt wird.

MH: An welches Interview erinnerst Du Dich noch und warum?

DP: An jedes Einzelne, selbstverständlich – und das meine ich auch wirklich so. Die Gespräche mit den Filmemachern, meistens an spontan ausgesuchten Orten mitten in Berlin, sind immer wieder auf ihre eigene Art etwas besonderes. Eben genau wie ihre Filme. Eines, das überhaupt nicht so geplant war, ragt für mich trotzdem hervor. Victor Lindgren und seine Darstellerin Jana Bringlöv Ekspong haben mich zum Talk über ihren späteren Teddy-Award-Gewinner Undress me (Ta av mig) in ihr Hotelzimmer eingeladen. Das Interview wurde wie von selbst zu einem vertrauten Gespräch zwischen den beiden und ich ganz zum Filmemacher, der mit Steadicam-Weste auf dem großen Doppelbett herumkroch und aus dem Bauch heraus seinen Protagonisten ins Ungewisse folgte. Es war vor Ort eine tolle, dichte Atmosphäre und sie kommt im Interview-Video ähnlich traumartig rüber, wie ich es in meinen Lieblingsfilmen immer so gerne habe. Dazu haben sich Victor und Jana in manchen Momenten nicht nur sehr ehrlich, sondern auch bemerkenswert emotional, sogar verletzlich gezeigt. Diese Ebene in einem Gespräch habe ich auch über Short Talks hinaus noch in keinem meiner Interviews erleben dürfen und es ist wunderbar, dass ich es anschließend als eigener kleiner Film mit der ganzen Welt teilen konnte.

MH: Der verrückteste Ort und Moment?

DP: Das Hotelzimmer war intim und stimmungsvoll, am verrücktesten aber waren die Drehs auf der jährlichen Berlinale Shorts Partys. Die Interviewpartner kommen in der Regel direkt von der Tanzfläche – nicht immer ganz nüchtern. Beim Übersetzer des japanischen Regisseurs Akihito Izuhara hatte ich wirklich das Gefühl, Antworten kamen nur noch durch den doppelten Filter aus Alkohol und Sprachbarriere bei mir an. Das war 2010, ich denke nach all der Zeit kann ich das mit einem Schmunzeln jetzt einfach so sagen wie es war. Und genau so etwas, macht Short Talks ja auch immer und immer wieder zu einem spannenden Abenteuer. Unvergessen ist für mich auch der Dreh mit Regisseurin Joanna Arnow und ihren beiden Schauspielern aus Bad at Dancing mitten im Einkaufszentrum Potsdamer Platz Arkaden. Da habe ich aus den Augenwinkeln beobachtet, wie eine Reinigungsdame den Mülleimer ausleerte, auf dessen Deckel ich meine GoPro-Kamera befestigt hatte. Redlicher Weise hat sie ihn exakt so wieder zurückgestellt wie er vorher war und ich musste mich nur beherrschen, nicht urplötzlich im Gespräch loszulachen.

MH: Gibt es einen Traumort, an dem DU noch nicht warst, aber unbedingt gerne drehen würdest?

DP: Raphael Keric und ich haben oft darüber gesprochen, was wir mit einem größeren Sponsor oder etwas Produktions-Budget für eine Sendung aus Short Talks machen würden. Unser Traum wäre, einen Kleinbus als mobiles Set á la The Darjeeling Limited umzubauen und dann mit unseren Interviewpartnern sowohl während der Fahrt durch Berlin, als auch an total spontanen Zwischenstops mit Liegestühlen und mitgebrachten Getränken irgendwo in Parks, Hinterhöfen oder mal eben schnell auf dem Gehweg zu plaudern. Unser Traumort wäre also immer in Bewegung und wir würden ihn am liebsten selber basteln.

MH: Gibt es einen Regisseur*in, die, der dir noch fehlt- den du wahnsinnig gerne was fragen würdest?

DP: Vor einigen Jahren bekam ich zum Filmstart von Black Swan eine Interviewmöglichkeit mit Darren Aronofsky und habe dafür sogar extra einen schon gebuchten Urlaubsflug verschoben. Ich habe dem Treffen sehr entgegengefiebert, Black Swan hatte mir wahnsinnig gefallen und Aronofsky erwies sich auch als guter Interviewpartner – dennoch, es wurde nicht das Gespräch, das ich mir erhofft hatte. Die zuständige PR-Agentur hat anschließend mein von ihrem Kamerateam gedrehtes Videoband verwechselt und ich hab mich ehrlich gesagt nie mehr richtig danach erkundigt, ob es irgendwann wieder aufgetaucht ist. Nicht aus Enttäuschung, aber weil das Gespräch für mich nichts wirklich besonderes geworden ist. Andersherum habe ich Filmemacher bei den Berlinale Shorts interviewt, deren Werke ich nicht überragend fand und die ich manchmal aufgrund von Empfehlungen, manchmal auch aus reiner Gelegenheit oder weil sie von sich aus auf mich zukamen interviewt habe und es wurde großartig – oft interessanter als mit Regisseuren, die ich ursprünglich auf einer solchen „Wahnsinnig gerne was fragen“-Liste hatte. Und deswegen gibt es diese Liste für mich inzwischen nicht mehr. Ich versuche eine möglichst abwechslungsreiche Auswahl zu treffen, weil ich alle Kurzfilmer mit meinem jetzigen Format als Hobbyprojekt nicht schaffen würde. Manchmal finde ich es allerdings schade, dass ich mit asiatischen Regisseuren meistens nur via Übersetzer sprechen kann, was ich aufgrund schlechter Erfahrungen inzwischen versuche zu vermeiden. Den Gesprächsfluss und die Tiefe, das richtige Kennenlernen, das Short Talks für mich persönlich besonders macht, konnte ich trotz mehrerer Versuche auf diese Weise leider nie so wirklich zustande bringen. So gesehen sind das also wohl dann doch meine Regisseur*innen, die mir häufig fehlen, auch wenn ich sie wahnsinnig gerne dabei gehabt hätte.

MH: Welches Ziel verfolgst Du mit dem Körper an Gesprächen, die Du geführt hast?

DP: Ich denke immer wieder darüber nach, dass Short Talks inzwischen wie ein flüchtiger Blick durch ein Fenster geworden ist, das ich mit meinen Videos offen halten kann. Es gibt da diese eine Woche, in der ein Filmemacher oder Schauspieler vom ganz speziellen Flair der Berlinale umgeben ist. Hier rückt das Verkaufen von Filmen oder eines Images gefühlt mehr in den Hintergrund als bei anderen Festivals und das möchte ich auch in der großen Sammlung an Interviews darstellen. Der aktuelle Kurzfilm oder die Person selbst stehen für mich in den Gesprächen gar nicht so sehr im Vordergrund. Es ist ihre Interpretation der Sprache Film, ihre Herangehensweise an den Produktionsprozess und ihre Motivation dazu, die mich als Filmemacher interessieren und die ich in ihrer Vielfalt nur als diese große Serie an Gesprächen überhaupt darstellen kann.

MH: Was machst Du sonst?

DP: Da gibt es einiges! Nach meiner Zeit als textender Games-und-Kinoredakteur war ich mehrere Jahre festangestellter Videojournalist bei Golem.de, wo ich bis heute noch gelegentlich als Freelancer arbeite und auch Filmkritiken schreibe. Meinen eigentlich sehr geliebten Job dort habe ich letztendlich aus freien Stücken gekündigt, weil der Ruf des fiktiven Filmemachens in mir doch zu groß wurde. Seitdem verbringe ich tatsächlich sehr, sehr viele Tage und Nächte vor dem Rechner und hinter der Kamera, um kleine und große Filme mit meinem Stammschauspieler und Produktionspartner Raphael Keric auf die Beine zu stellen. Da ist vom Found-Footage-Filzpuppenfilm bis zum Raw gedrehten Fiebertrip durch L.A. eigentlich so ziemlich alles dabei, was man nicht erwartet, wenn man schon einen anderen Film von uns gesehen hat. Nebenbei mache ich noch einen wöchentlichen Unterhaltungs-Podcast mit eigener Website, der dank treuer Zuhörerschaft über das Crowd-Funding von Patreon sogar ein wenig Geld abwirft. Die Themen sind kaum definiert, das Niveau allerdings oft auch nicht und manchmal überraschen mein ehemaliger Chefredakteur Alexander Voigt und ich uns mit Ausflügen ins philosophische oder gar in die Politik. Zu meinen regelmäßigen Kunden bei Videoarbeit gehört seit letztem Jahr auch die „Save the Children“-Stiftung. Deren Berlinale-Werbespot, welcher während des Festivals auf den großen Bildschirmen beim Potsdamer Platz und am Berlinale Palast gezeigt werden soll, habe ich noch vergangene Woche fertig geschnitten.

MH: Bleibst Du mit den Filmemachern in Kontakt?

DP: In erster Linie über die sozialen Netzwerke, dort aber nur flüchtig. Meistens gibt es ein herzliches Wiedersehen erst auf einer weiteren Berlinale und viele kommen ja tatsächlich nicht nur zweimal mit neuen Filmen zurück in den Wettbewerb. Einzelne habe ich dann doch auch noch woanders getroffen, darunter Cylixe (A City Within a City) während einer Pressereise nach New York, wo sie Kunst studierte. Als sie zurück in Berlin war, haben wir uns auch noch ein paar mal auf ein Bier getroffen, ich kann ihre Band The Blackflies übrigens wärmstens empfehlen! David O’Reilly, so schließen wir den Bogen zum Beginn jetzt wieder, entdeckte mich mal in Heathrow am Flughafen und rief mir zu meinem Verblüffen laut zu. Wir saßen dann auch im selben Flieger nach Berlin, wo sich David eine lange Bahnfahrt über Videospiele bei mir erkundigt hat. Ich arbeitete da noch bei meinem alten Games-Magazin und hatte nicht die leiseste Ahnung, dass er 2017 mit seinem eigenen Playstation-4-Spiel Everything wieder bei den Shorts dabei sein würde.

Top 4 Interviews:

Victor Lindgren (2013) 

Mahdi Fleifel (2014) 

Dustin Guy Defa (2014) 

Runner-Up – David Jansen, Sophie Biesenbach, Marcus Zilz (2015) 

 

 

IN ANOTHER WORLD: YOU CAN BE EVERYTHING – DAVID OREILLY

Here you can find the full record of the Berlinale Talents Talk with David OReilly and Maike Mia Höhne!

Famous for stripping down 3D graphics to the point of absurdity, the animated films of young Irish-born filmmaker and artist David OReilly have garnered over 80 awards, including the Golden Bear. Having recently stormed the world of video game and app development, OReilly’s œuvre awes in its defiance of traditional aesthetics and formats. Taking time away from the premiere of his newest „game-that-is-also-a-film,“ «Everything», in competition at Berlinale Shorts, OReilly recounts his meteoric career and the choices and chances that landed him in the world of games.

150217_hv_0149-in-another-world-talk-maike-david-oreilly-maike-mia-hohne-david-oreillyCopyright by Heinrich Völkel

WILHELM FABER ABOUT »CIDADE PEQUENA»

CIDADE PEQUENA – Small Town
“Words don’t come easy, to me, how can I find a way, to make you see, I love you”

Sleep cures all and, provided the sleeper is not haunted by nightmares, can bring the sweetest of dreams. A sound sleep can become an allegory of peace and innocence. Is there any sign of closer intimacy with your beloved than to join them in bed while they’re asleep?

It remains an impossible dream to prolong a carefree childhood or to retain the feeling of infinite trust and happiness associated with it. We are lucky if we can experience the confidence and intimacy of children who are close to us and who we can watch growing up. It is a comfort and a hope for adults who are aware of the ever-present suffering of humankind and who ask themselves if they can change it or how they can bear it.

What happens when a painting becomes a photograph or moving image?

What do pop singer F R David, Ludwig van Beethoven and Paul Gauguin have in common?

Diogo Costa Amarante photographs, films, composes and collages emotions and landscapes. He delves deep and moves people. His film is at once a proposition, a question and a broadening of horizons. It is both specific and allegorical; great cinema which finds its audience not only in small towns.

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CIDADE PEQUENA – Small Town
„Words don’t come easy, to me, how can I find a way, to make you see, I love you”

Schlaf dient der Erholung, und solange keine Alpträume den Schlafenden heimsuchen, kann er paradiesische Träume wecken. Der tiefe Schlaf kann zur Allegorie des Friedens und der Unschuld werden. Gibt es ein Zeichen tieferer Vertrautheit als sich zu einem geliebten Menschen ins Bett zu legen, der schläft?

Es bleibt ein Traum, eine unbeschwerte Kindheit zu verlängern oder das damit verbundene Gefühl grenzenlosen Vertrauens und Glücks zu bewahren. Vertrauen und die Nähe zu Kindern,  die uns verbunden sind und die wir erleben dürfen, wenn sie größer werden, sind ein Glück. Ein Trost und eine Hoffnung für Erwachsene, die vom allgegenwärtigen Leid der Menschen wissen und sich fragen,  ob sie es ändern und wie sie es aushalten können.

Was geschieht, wenn sich ein Gemälde zu einer Fotografie zu einem Bewegtbild  wandelt?

Was haben der Popsänger F.R David, Ludwig van Beethoven und Paul Gauguin gemeinsam?

Diogo Costa Amarante fotografiert, filmt, komponiert und collagiert  Gefühle und Landschaften. Er hinter frägt und bewegt.  Sein Film ist Angebot, Frage und Horizonterweiterung. Konkret und allegorisch. Großes Kino, das in jeder kleinen Stadt ein zu Hause findet.

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