La Fugue
– „The Runaway
by Jean-Bernard Marlin
(France 2013, 22 minutes)


Berlinale 2013 - Kurzfilmwettbewerb "Berlinale Shorts"

Ein kleines, aber unter die Haut gehendes Drama über die Hilf- und Ratlosigkeit der Gesellschaft beim Umgang mit jugendlichen Kleinkriminellen. Strafe oder Zuwendung? Sehenswert!

Kommentar von Hansjürgen Rosenbauer




La Fugue – The Runaway

C’est un super court-métrage avec une mise en scène simple mais efficace étant donné les petits moyens mis en oeuvre. La force du film tient en partie sur le jeu naturel des acteurs, les dialogues tout aussi naturels et pourtant si bien écrits. C’est une réflexion sur la difficulté de certaines personnes à s´intégrer dans une société qu’ils ne comprennent pas forcément. Le manque de musique aide sans aucun doute à rendre l’atmosphère étouffante, tout comme la vie de Sabrina (l’héroïne du film).

Etouffante à cause de ses angoisses qui l’empêchent d’affronter le sort qui lui est réservé pour prix de ses actes. Mais heureusement son angoisse de fuir toute sa vie la justice sans payer pour son crime va d’avantage la hanter.

Les acteurs bien qu’évidemment amateurs arrivent pourtant à porter le film sur leurs épaules, une prestation en retenue pour l’éducateur et une agréable prestation tout en expression pour la pauvre Sabrina.

Un futur grand réalisateur en perspective, je l’espère.

Roven Kritchmar, Paris, 15 ans


Berlinale 2013 - Kurzfilmwettbewerb "Berlinale Shorts"

16-year-old Sabrina is a stubborn girl serving her sentence of detention in a center for young offenders. She is lucky to be accepted as a trainee in the hotel business and awaits her verdict on her past offences. Social worker who accompanies her to court tries to help her, but Sabrina doesn’t trust him. Accused of theft with aggravating circumstances, driving without a license and unintentional harm of a person after causing an accident, she doesn’t really cooperate with her lawyer and disregards her advice. Furthermore, she escapes before the verdict – which would send her to prison for eleven months – by using a trick.  Now the court room drama turns into a thrilling chase after the girl. The social worker gets in his car, drives along the suburbs, where Sabrina used to live, talks to her young cousin and eventually sees her in the car in front of him. But she doesn’t want to got back with him. But in the night, to his surprise, she gives up and comes to the police station. In his second short director Jean-Bernard Marlin (33) puts a story that would easily fill a feature film into a dense short film full of suspense that tackles a lot of questions and appeals to the viewer’s opinion of guilt with the detailed description of the main characters.

by Andrea Dittgen——————————————

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Die Ruhe bleibt“ –
Remains Quiet
by Stefan Kriekhaus
(Germany 2013, 24 minutes)


Berlinale 2013 - Kurzfilmwettbewerb "Berlinale Shorts"

Somewhere in the French countryside a film is shot. We don’t see what the film is about, we only see the trainee. His task is to block the road and stop noisy vehicles during the shooting. The only connection to the crew is the walkie talkie. Birds are singing, crickets are chirping, the wind is blowing, you see the nearby mountains, a rural road and bushes. It’s quiet, no one passes, and the trainee is bored to death. His only distraction is the voice of the director in his ear. “Is Sophie ready?” “Has anybody seen Mira?” “Block the road.” “Cut.”. The trainee is disappointed. He feels used. Once, one of the actors joins for a cigarette, but is called away for shooting two minutes later. The trainee’s attempts to do something else were refused: “No, we need you where you are”.

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Thank God a framer on a tractor comes by. He has to be stopped, because his tractor makes too much noise. “What’s the movie about?” he wants to know. The trainee who doesn’t speak French and knows nothing about the movie at all says something about the Nazi and resistance to keep the driver friendly while he is waiting. Soon after the farmer drives away, the trainee sees the white production cars drive away. They have forgotten him! They forgot to tell him that the shooting is over and they didn’t pick him up. Without a single cut director Stefan Kriekhaus (44) follows the trainee in this quiet comedy about the trainee generation. They are full of joy to participate, but they are treated like shit and they can’t do anything about it.

By Andrea Dittgen


Misterio“ –
by Chema García Ibarra
(Spain 2013, 12 minutes)



The mystery is about the Virgin Mary, coming to earth and occupying the body of a young, fat, quiet man. The popular superstition says, if you put your ear to the back of the neck of the young man, you can hear the Virgin speak. No wonder there is a long queue of women – all dressed up in blouses with tiger stripes – who want to lay their ear. A housewife in her fifties does it, but she doesn’t hear anything. She is disappointed because she’s surrounded by people who don’t speak with her: her husband and her dumb son. They both are fat with shaved heads, look like Nazis and sleep under the Nazi flag in the bedroom. The housewife escapes reading science fiction novels about outer space. It’s a weird story about the pursuit of happiness with associative pictures, sometimes without a clue to the following, just like dramas or fantasies but with an unexpected humor.

By Andrea Dittgen


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by João Viana
(Portugal 2013, 13 minutes)



Tabatô is the name of the village in Guinea-Bissau. An old man with a trolley comes back to the village. He doesn’t speak to anyone. A shot is heard and right after that the old man falls down and we believe him dead. But he stands up and continues trotting and meets his family. He doesn’t speak, so the curious daughter wants to know what’s in his suitcase and opens it. She finds a steel box with strange steel objects in it that can’t really be identified. Some kind of water tap with an appendix, a headphone for one ear, some kind of riot stick, and a rectangular box. They all seem useless. In flashback in black and white we learn more about these objects. In wartime the man worked with these objects. Now, the war is over, and he has nothing left but his war memories. Those bad memories come back one by one when the drums of the village are playing. The louder they play the more cruel the war scenes become. It must have been the colonial war, but it isn’t so stated because it is not necessary. Every war is cruel and brutal, director João Viana (46) tells. The traumatized old man doesn’t know what he wants nor what he was fighting for. It is not sure he recognizes the members of his family and the friends in the small village where everyone is a musician. He tries to acclimate but is always thinking about the war. Viana’s short film is a shocking study for his feature film “The Battle of Tabatô” (2013) where the story of the veteran is part of a closer look into a village in postwar time.

By Andrea Dittgen


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The Silent Passenger
by Hirofumi Nakamoto
(Japan 2012, 15 minutes)


director Hirofumi Nakamoto
director Hirofumi Nakamoto with Maike Mia Höhne

First we don’t know what the young man in the car does when he stops at the end of a wood. Later we know: he is collecting small animals, butterflies. It is not only animals that interest him. In his room, we witness how tiny crabs and hermit crabs in their shells are invading the apartment. Hidden under the blanket they come out one by one. Not like a threat more like the cute colony we saw in the animated feature “A Bug’s Life” (1998), but these animals are real, they don’t talk, they make noise scratching over the floor, the wooden furniture, the glass table and the lampshade. They are curious, they are without limits, and they take over the room while the owner drives by car to find new friends: butterflies buzzing at the windscreen and frogs. At the end we see director Hirofumi Nakamoto (26) with his camera placed before a shelf filming the crabs making us feel like students of biology, especially when one of the crabs is crawling over the lens allowing us to see each palp, the hairy legs, the mouth, the telescopic eyes and all the other details we aren’t usually able to observe.

by Andrea Dittgen



Wo bin ich? Was ist das hier?, sind die möglichen Fragen, die sich die Krabben, Frösche, kleinen Echsen und andere wunderbare und fragile Wasserwesen stellen, als sie sich plötzlich in einem leeren, aseptischen Hotelzimmer wiederfinden und vom liebevollen, aber gnadenlosen Kamera-Auge des Regisseurs betrachtet werden.Hirofumi Nakamoto führt uns am Anfang des Films mit dem Auto auf die japanische Insel Okinawa. Dort stellt er die Kamera am Strand auf und nimmt sich selbst beim Suchen nach den kostbaren Wesen unter Bäumen und anderen Gewächsen auf. Das nächste Bild wird von einer weißen, schrumpeligen Decke auf einem Bett ausgefüllt. Es führt uns in einen von Menschen gestalteten Innenraum, der im Gegensatz zu der Natur der Inseln steht. Nach einigen sanften Bewegungen des Stoffes, strömen kleine Krabben in unordentlicher Choreographie unter der Decke hervor und zeichnen Bewegungsvektoren verschiedenster Richtung auf der unbefleckten Bettwäsche nach. Die Zuschauer müssen eine blitzschnelle Entscheidung zwischen Ekel und bedingungsloser Liebe für die Mollusken treffen. Unabhängig vom Ergebnis, das Publikum wird unmittelbar mit der Tatsache der Verortung und Ratlosigkeit der Tiere konfrontiert, als sie im Nicht-Ort „Hotelzimmer“ herumlaufen.

Andere Krabbenarten treten auf und erforschen weiter das kühle Hotelzimmer. Die Kamera begleitet sie auf Augenhöhe und wird dabei selbst zum Forschungsobjekt der neugierigen Tiere. Teppiche, Steckdosen, Kabel, Aschenbecher, Fernsehmonitore werden zur temporären

Bühne eines Überlebenstanzes, zum Schauplatz einer fragilen Schönheit der Natur.

In Folge fährt Nakamoto mit seinem Auto immer wieder auf die Insel, bringt immer neue unerwartete Tierarten ins Hotelzimmer und führt dabei weiter seine ästhetische Operation einer Entkontextualisierung durch. Die minimale Dramaturgie und einfache Struktur erreichen einen Höhepunkt als die Kamera und dabei der Regisseur selbst in einem Spiegel beim Beobachten der Tiere sichtbar werden und sich als fremde Akteure der eigene Handlung entpuppen. The Silent Passenger schafft auf eine ganz zarte, intelligente und visuell gelungene Art, die klassische Dichotomie Mensch-Natur zu untersuchen und in Frage zu stellen.

Von Maria Morata

– Member of the selection committee –


director Hirofumi Nakamoto with Maike Mia Höhne
director Hirofumi Nakamoto with Maike Mia Höhne

Was haben eine Autofahrt, hunderte Krabben und andere Tiere wie Kröten, Schmetterlinge und Eidechsen gemeinsam?

Sie spielen alle eine wichtige Rolle in einem der interessantesten Kurzfilme dieses Jahres, welcher bei der 63. Berlinale gezeigt wird.

„The Silent Passenger“ ist ein Meisterwerk des japanischen Regisseurs Hirofumi Nakamoto und ist einer der bewegensten Kurzfilme auf der 63. Berlinale in Berlin.

Er versteht sein Werk ohne  Zweifel, denn er weiß wie man mit nur wenigen Mitteln eine Botschaft übermittelt und das können nicht viele Regisseure. Handlung gibt es im Grunde keine, jedenfalls keine Handlung mit Menschen. Jedoch hat dieser Film für mich persönlich eine ganz starke Aussage – Gefangenschaft und es gibt kein Entrinnen!

Der Film gibt dem Zuschauer ein Gefühl das ich nicht zu beschreiben vermag. Wenn man in Nakamoto`s Gehirn schauen könnte, würde man eine Reise machen voll verrückter und unbeschreiblicher Dinge. Das soll aber nicht heißen, dass er verrückt ist. Aber wer ist heutzutage schon nicht verrückt?

„The Silent Passenger“ von Hirofumi Nakamoto ist ein sehr bewegender und interessanter Film. Schauen sie sich diesen Film an! Auch wenn er noch keinen großen Namen hat wir Scorsese, Spielberg …

von Scott, 14 Jahre


A Coup de couteau denté“ –
by Clément Decaudin
(France 2012, 12 minutes)


A coup de couteau denté

in 2006, Jérôme Vassereau (guitar) and Jean-Baptiste Geoffroy (drums) formed the artist duo “Pneu” (French: “tire”) in Tours, France. They are quite famous in the club scene playing math rock and noise rock. The Music is loud, often improvised. Director Clément Decaudin (24) follows the two hyperactive musicians during rehearsal and in concert in his documentary. While the guitarist is playing, you hardly see his face, only his hair. It looks like he’s not seeing anything, not even his fellow musician. Only the close-ups captured by the camera show that there is eye contact between the two players announcing the beginning of a solo, for example. Jean-Baptiste reminds me of Animal, the Muppet Show drummer, hammering on the drums, barely looking around, he’s so lost in his music. After a while, the perspective changes and we see the audience close to the duo. There is no stage, people are simply surrounding the musicians. In this workshop atmosphere in a factory or a small club the listeners are tapping theirs toes, smiling and talking, too. Using just a few lights, the scene is a little bit spooky, forbidden, and rotten – just like the noisy music. After a while you get used to the dark and the players. Most of the time, you only see one of them from different angles. Slowly the camera opens up to the second player, the audience and the room. It’s a unique experience, an art performance that explains why “Pneu” is a cult band in France.

by Andrea Dittgen

Team of the film A coup de couteau denté with Maike Mia Höhne
Team of the film A coup de couteau denté with Maike Mia Höhne



Dieses Bild von Magritte habe ich gesucht, um die überwältigende, überfahrende Energie zu veranschaulichen, die das Spiel von PNEUS [aus dem Film A COUP DE COUTEAU DENTÉ] auf mich überträgt. Wenn eine Lokomotive unter Volldampf an einem Ort der Entspannung  auf dich zurast, dann geht echt was ab.

Ich weiß nicht, welche Musik Magritte gehört hat oder ob er gar ein Instrument gespielt hat. Aber er wusste, dass Musikspielen Energie verbraucht und Energie freisetzt. Der Schlagzeuger und der Gitarrist, sie explodieren und implodieren sogar in den Pausen.

Sie verkörpern pulsierendes Adrenalin. Sie stecken alles in Brand.

Magritte hat auch das geahnt: dieses Bild heißt: die Entdeckung des Feuers.


Von Wilhelm Faber

– Auswahlgremium Berlinale Shorts –



Asura“ –
by Köken Ergun
(Turkey/Germany 2012, 22 minutes)


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This is the only film in the competition that you can’t understand without information coming from outside. A group of fanatic Muslims is gathering for praise and singing. “My Life for Hussein, my life for Hussein!” They are singing and repeating the sermon with rhythm and emphasis. “I Wish I were in Karbala” and “I wish I died for Hussein” are the other sermons. Are they terrorists? Who is Hussein? What about Karbala? The Battle of Karbala took place in the year 680. The military forces of Yazid I. fought against the prophet Mohammed Hussein and killed him and his followers. The Death of Hussein is celebrated by a Shia minority in Turkey each year in a ceremony called Ashua. If you don’t know that these facts you just see fanatic Muslims to be afraid of because there is no comment or subtitle to explain. The preparation starts like a medieval gathering with men wearing knight’s armor, ancient flags flying and historic pictures being posted on wall carpets. They are mourners, the men are weeping: “Imagine 30 000 soldiers.” It must be the number of people killed. Only the children are not weeping, they are looking at the pictures on the wall and sit there watching their parents. Director Köken Ergun’s documentary gives a close look into a private circle with the rules of praying, mourning, dancing and singing of a religious group of whom people usually know very little.

by Andrea Dittgen


Komm, wir weinen noch ein bisschen!

Erste Szene: eine graue, kalt ausgeleuchtete Tiefgarage. Tiefgaragen stehen im Film fast immer für Tod und Gewalt. Junge Männer skandieren einem Vorsänger nach: „mein Leben für Hussein … ich wünschte, ich wäre wie Hussein gestorben … das blutige Schwert rostet in Kerbala …“ Sie schlagen sich rhythmisch auf die Brust. Ein starkes Bild, das in seiner Intensität aber auch in seiner Stilisierung an die aggressive Anfangsszene in Michael Jacksons Musikvideo „Bad“ erinnert, wenn er mit seiner Gang einer anderen den Kampf androht. Die Szene verdichtet sich, es kommen mehr Männer dazu, sie führt auf die Straße und schließt sich einer Großdemonstration an. Wir kennen das Bild aus den Medien, bei dem Transparente toter Terroristen („Shadeeds“) geschwenkt werden und Kinder als Terroristen mit Dynamitgürtel verkleidet auf den Schultern ihrer Väter sitzen.

Wir sehen einen der drei Höhepunkte der Ashura-Feierlichkeiten einer shiitischen Minderheit, die der Filmemacher und Künstler Köken Ergün 2010 am östlichen Stadtrand Istanbuls im sogenannten „Zeynebiye-Viertel“ dokumentiert hat.

Ashura ist im islamischen Kalender der zehnte Tag des Monats Muhrram 61 – der 10. Oktober 680 dem christlichen Kalender nach. Es ist ein schwarzer Tag in der Geschichte des Islam, er ist einer der tragischsten Momente für die Anhänger der Schia, die Schiiten.

An diesem historischen Tag lassen aus Angst vor einer Niederlage die Anhänger Husseins ihren Führer in der Schlacht von Kerberla gegen die übermächtigen Truppen des Umayyaden-Kalifen Yazid I. im Stich. Dabei ist für die Shiiten Hussein nicht irgendein x-beliebiger Heeresführer. Er ist Enkel Mohammeds und damit für sie der „designierte Nachfolger des Propheten“. Hussein war Richtung Mesopotamien losgezogen, um sich mit seinem kleinen und treuen Heer in einem ungleichen Kampf „David gegen Goliath“ einem übermächtigen Gegner zu stellen – Shiiten sprechen von einem Verhältnis von 72 gegen 10.000 Soldaten -, erbarmungslos niedergemetzelt zu werden und als Märtyrer zu sterben – „Engel trauern um Hussein … schau wie die Steine Tränen des Blutes weinen …“.

Mit dieser Niederlage ist die Hoffnung der Shiiten gescheitert, ihren Imam anstelle des von den Suniten eingesetzten Kalifen als Oberhaupt der islamischen Gemeinde zu positionieren. Nach dem Glauben der Shiiten kann die Prophetennachfolge nur von einem Nachfahren Alis – dem Schwiegersohn und Vetter des Propheten Mohammed – eingenommen werden, da dieser als einziger von Gott legitimiert sei. Die endgültige Trennung zwischen Sunniten und Schiiten in der Geschichte des Islam ist damit besiegelt.

Noch heute gedenken Schiiten dieser historischen Schlacht. Ashura ist ihr höchster Feiertag und bildet den Höhepunkt eines jährlich zehn Tage andauernden Trauer- und Bußrituals, das in seiner extremsten Form zur blutigen Selbstgeißelung der Gläubigen führt. Zumndest einen Teil der kollektiven historischen Schuld der Schia wollen sie damit abbüßen.

Zurück in die Tiefgarage: aus dem aussichtslosen Kampf Husseins leiten radikale schiitische Gruppen aber auch ihr ganz eigenes Dschihad-Verständnis ab – das Martyrium, den Tod im Namen der Religion in einem aussichtslosen Kampf gegen einen übermächtigen Feind auf sich zu nehmen. Zeigt uns Ergun hier blutigen Ernst oder spielt er mit unseren, westlichen Erwartungen und Vorurteilen? Köken Ergün, der unter anderem an der Istanbul Universitesi für das Theater ausgebildete wurde, am King’s College in London studierte und mit Robert Wilson gearbeitet hat. Was wenn, wenn die Tiefgarage gar keine solche ist sondern vielmehr der Rohbau einer Moschee und das alles fein inszeniert ist?

Im zweiten Bild seiner Dokumentation zeigt uns Ergun die bunten Bilder der Vorbereitung eines Passionsspielspektakels im Innenraum der Zeynebiye-Moschee. Wild kostümiert, leidenschaftlich, dilettantisch, mit Wille zum Ernst aber doch auch immer wieder heiter, proben oder warten Jung und Alt, Männer und Frauen gleichermaßen auf ihren großen Auftritt. Sie lachen, weinen, klappern mit Holzschwertern, rücken ihre Perücken zurecht, üben sich in Kampfszenen und schwitzen in ihren Plastikrüstungen. Jeder spielt seine zugedachte Rolle. Weißt Du noch? Die Vorbereitungen zu Deinem ersten Krippenspiel? Ja genau so. Und Kökun mit seiner Kamera mitten drin, ohne Distanz. Freude am nichtprofessionellen Schauspiel. „Schau nicht in die Kamera“ sagt der eine „Pose doch nicht schon wieder“. Wir merken, Ergün kennt die Menschen dort, ist mit ihnen befreundet und lädt uns ein, an diesem theatralischen Spektakel hautnah teilzuhaben.

Rituale und deren Identitätsstiftung ist ein zentrales Element in Köken Erguns Arbeit. Hier fühlen wir geradezu, wie, bei aller Fremdheit, sich die familiäre Atmosphäre, die fiebrige Vorbereitung auf das Spektakel den Teilnehmenden ein Gemeinschaftsgefühl vermittelt – auch den Jungen, die dem Treiben vermeintlich teilnahmslos zuschauen oder sich davonschleichen.

Drittes Bild, schwarz. Lachen aus dem Off. Nein, Weinen. Da schluzt jemand. Jetzt das Bild dazu. Ein Moschee voll junger und alter Männer, die Rotz und Wasser heulen. Ein Imam, liest Ihnen die traurige Geschichte Husseins vor und nach jedem Absatz werden bitterlichen Tränen vergossen. Für uns ein irritierendes Bild. Wir wissen nicht so recht, ob wir darüber lachen dürfen oder selbst weinen sollen. Wir sind schon fast versucht wieder einen islamischen Fanatismus zu sehen: das sind doch irgendwie Extremisten!

„Nein“, beruhigt Ergun im Gespräch „das sind wohl genauso wenig Fanatiker wie die säkularen Christen, die an Heiligabend in die Mitternachtsmesse gehen und sich von der feierlichen Stimmung mitreisen lassen.“ Ergun erzählt, wie ein Großvater mit seinem Enkel einmal diesem Ritual beiwohnt und der Enkel nörgelt: „Opa, lass uns gehen, das ist langweilig“. Worauf der Großvater sagte: „komm, lass uns noch ein bisschen mitweinen, dann können wir gehen“. Kurz darauf gehen sie gut gelaunt, erleichtert, aus der Moschee in ein Kaffeehaus Kuchen essen.

von Olaf Stüber


Al Inthitar“ –„The Waiting“

by Mario Rizzi
(Italy/United Arab Republic 2013, 30 minutes)


Mario Rizzi and Maike Mia Höhne
Mario Rizzi and Maike Mia Höhne

Acclaimed director Mario Rizzi (51) follows the everyday life of a young widow and her child in a refugee camp near the Syrian border in the Jordanian desert. Cranes put container homes in line, men pitch new tents. The camp is growing into a town of its own. There is a school for the children and a market where the refugees buy food and material. The widow tells of how her husband died.


First there was an explosion at her home, followed by a second one. She managed to leave with her child. Most of the time, she is walking around.  We see her with the yoghurt bag, preparing batter for cakes, telling her story to other women in the kitchen tent. The little boy lies on the mattress, playing or sleeping. The widow complains that life in camp is hard; she doesn’t have enough money to buy food and gas for the oven. Despite all that there are planes flying over the camp, sand storms harm the tents and the people and there is no better life in sight. The refugees have to learn to wait and to be patient. “Al Intithar” is a documentary without comment or narration, the pictures speak for themselves. They are calm and personal and there are even some scenes of joy and dancing and hope.

by Andrea Dittgen



Was bedeutet für Sie Krieg?

Ich finde, das ist ein schwieriges Thema. Ich bin 14 und ich hab mich bis 10 nicht wirklich für die Welt interessiert. Deswegen waren Syrien/Libyen und Ägypten die ersten Kriege, die ich von Anfang bis Ende (wenn man das Ende nennen kann) mit verfolgt habe. Ich hab auch den Irak-Krieg mitbekommen, jedoch hat mich der damals nicht interessiert.

Ich möchte Ihnen aber heute etwas anderes erzählen. Es hat mit Syrien zu tun, aber nicht mit den Kämpfen, sondern mit einem Ort an der Grenze von Jordanien. Saatari – so heißt der Ort, den ich Ihnen heute nahebringen möchte. In dem „Camp“ – so wie es die Menschen dort nennen – spielt ein dokumentarischer Kurzfilm.


Mario Rizzi ist der Regisseur des Kurzfilms „Waiting“, der auf der 63. Berlinale gezeigt wird. Dieser Mann hat die Erlaubnis bekommen, 3 Monate mit den Flüchtlingen zu leben. Die Verhältnisse sind nicht die Besten, jedoch leben sie dort besser, als in ihrer Heimat Homs. Ich spreche nicht gern über solche Themen wie Krieg und Trauern. Dennoch ist es wichtig über so etwas zu sprechen. Der Film hat als Protagonist das Warten. Denn jeder dieser Leute wartet auf etwas. Sie haben nicht unbedingt den Wunsch nach Hause zu kommen. Jedoch geht ihr Warten einem so nah, dass man selber das Gefühl hat, dass man in diesem „Camp“ lebt und auf etwas wartet. Mario Rizzi hat in diesen 3 Monaten etwas Unvorstellbares geschafft, denn er hat persönliche Szenen der Menschen gefilmt wie zum Beispiel wie eine Frau betet, was man eigentlich nie sieht oder er hat Aufnahmen von einer Geburt in diesem „Camp“. Jedoch zeigt er auch die Schattenseiten dieses Lebens, denn die UN bietet zwar Container und Zelte, jedoch nichts für die Neugeborenen, was man der UN nicht verübeln kann, jedoch regen sich die Menschen drüber auf.


Abschluss: Der Kurzfilm „Waiting“ ist ein sehr trauriger Film, denn er zeigt die Verhältnisse der Menschen in diesem „Camp“. Ich finde, dass dieser Film in das Genre Drama und Dokumentation gehört, weil es sehr traurig ist zu sehen, wie die Menschen leben.

von Scott, 14 Jahre


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AUSWAHL 2013 //

Akram Zaatari war es, der mir vor ein paar Jahren einen Film in die Hand drückte. Wir waren verabredet seine Filme in der Galerie in Hamburg gemeinsam zu schauen. Er war zu der Zeit Stipendiat des Künstlerprogramms des DAAD in Berlin und gerade dabei, seine neue Arbeit TOMORROW EVERYTHING WILL BE ALRIGHT, fertigzustellen. Ich war glücklich mit dem Film  und dann gab er mir diese DVD mit STEP BY STEP. Schau ihn dir an, einer der Filme, die mich und meine Arbeit wahnsinnig berührt und gerichtet haben, sagte er und ich schaute mir den Film an. Nicht sofort. Meist dauert es ein wenig mit den Filmen auf DVD, die ich so in die Hand gedrückt bekomme- aber kurze Zeit später schaute ich ihn mir an und seitdem trage ich den Film mit mir. Es ist ein Tragen von Bildern und Emotionen. Die Erinnerung an einen Film ist die Erinnerung an eine Emotion, die der Film evoziiert hat.

Una ciudad en una ciudad

Der erste Film in der diesjährigen Auswahl war UNA CIUDAD EN UNA CIUDAD. Das Thema ist gesetzt. Der gefilmte, beobachtete Ort, der Ort, dem sich cylixe annähert, das höchste besetzte Haus der Welt. Sie hat Focault im Rücken und im Kopf. Wikipedia definiert die Heterotopie folgendermaßen:

Heterotopie (aus gr. hetero (anders) und topos (Ort)) ist ein von Michel Foucault in einer frühen Phase (1967) seiner Philosophie kurzzeitig verwendeter Begriff für Räume bzw. Orte und ihre ordnungssystematische Bedeutung, die die zu einer Zeit vorgegebenen Normen nur zum Teil oder nicht vollständig umgesetzt haben oder die nach eigenen Regeln funktionieren. Foucault nimmt an, dass es Räume gibt, die in besonderer Weise gesellschaftliche Verhältnisse reflektieren, indem sie sie repräsentieren, negieren oder umkehren.

Khutwa Kuthwa – Step by Step

In STEP BY STEP ist es die Dorfgemeinschaft, die Osama Mohamad trifft, die er zu Wort kommen läßt. Die Kinder, die er in die Schule begleitet. Die jungen Männer, die von ihren Entschlüssen berichten. Armut und Religion. Ein Universum, das sich auftut in der Kürze der Zeit. Die Zeit bleibt stehen, wenn wir von einem Heute in das Damals schauen und in AL INTITHAR, die junge Witwe aus Homs, die geflüchtet ist mit ihrem kleinen Kind, WARTET. Wenn sie wartet auf Entwicklung und Veränderung. Es wird dauern. Wir warten mit und erleben eine Welt, aufgefächert in Minuten und Stunden. Die Kamera ist am Boden. Die Menschen bewahren die Haltung und Ruhe. Der Krieg ist nur 8 km entfernt. Die Flüchtlinge leben in dem jordanischen Camp Zaatari an der Grenze zu Syrien.

Al Intithar
Al Intithar

Von diesen Kreisen und Verbindungen gibt es viele dieses Jahr. Sternenförmig spannt sich die Auswahl. Eine Vielfalt von Welten. Reflexionen in Bild und Ton.

von Maike Mia Höhne

– Kuratorin der Berlinale Shorts –



„There are some enterprises in which a careful disorderliness is the true method…“ (Herman Melville: MOBY DICK, The Honor and Glory of Whaling)

„Liebe ist niemals ein ehrbares Gefühl.“ (Colette)

Liebe strömt durch die Straßen wie Blut. Unerwiderte Liebe, Liebe in Überfülle. Liebe auf der Flucht, Liebe im Geheimen, Liebe auf der Überholspur. Liebe zwischen Alter und Jugend, Arzt und Patient, Hure und Zuhälter. Amour fou, amour fatal. Liebe zwischen Gleichen, Liebe zwischen Ungleichen. Liebe der Halbwüchsigen, die endlich vom Gewicht ihrer Jungfräulichkeit befreit werden. Liebe des Witwers, der mit dem Fleisch wiedervereint wird. Liebe der Gattin, die beim Anblick ihres Liebhabers die eheliche Treue einfach zum Fenster hinauswirft. Liebe zwischen den Rassenschranken, Liebe im Niemandsland, Liebe im Schützengraben. Liebe für einen selbst, in einem anderen Herzschlag verwirklicht. Liebe, die selbst in der Sünde treu ist. Liebe bis zum Tod, Liebe über den Tod hinaus. Liebe im Übergang. Liebe in der Unterstadt, in den Herrenhäusern, in den Wohnsilos, in den Wellblechsiedlungen, in den Flüchtlingslagern. Liebe jenseits des Schicksals, der Anständigkeit, der  Zeit, des Menschen und Gottes. Ideale Liebe. Platonische Liebe. Fleischliche Liebe. Raffaels „Sixtinische Madonna“, Rembrandts „Die Heimkehr des verlorenen Sohnes“, Caravaggios „Amor Vincit Omnia“ –  Liebe ist, at the end of the day, für diejenigen, die diesbezüglich Langstreckenläufer sind, häufig wohl doch  „a cold and a broken Hallelujah“, und nun ja, dennoch auch: Triumphierende Liebe.

„Die Erfahrung der Wahrheit ist unerlässlich für die Erfahrung der Schönheit, und der Sinn für Schönheit wird von einem Sprung im Dunkeln begleitet und geführt.“ (Arthur Koestler: SONNENFINSTERNIS)

Die Geschichte des Films liefert ausreichend und ganz unterschiedliche Beispiele zur Untermauerung der These, dass es auch in Sachen Liebe so etwas wie eine Avantgarde gibt – erwähnen wir nur HAROLD AND MAUDE, MAX MON AMOUR, BUTTERFLY KISS, MAGNIFICENT OBSESSION, VIAGGIO IN ITALIA,  ANGST ESSEN SEELE AUF und als aktuellsten Beitrag AMOUR. Diese Filme zeigen auf, dass uns unter den gegenwärtigen Lebensbedingungen die Liebe nicht einfach in den Schoß fällt. Sie ist ist harte Arbeit. Es gibt Menschen, die verstehen es zu lieben, andere sind nicht fähig dazu (meistens sind es Männer… ). So etwa der Große Zampano in LA STRADA oder dann gleich im Viererpack die großbourgeoise Familie in TEOREMA, für die der Anruf der Liebe verheerende Folgen hat,

und haben wir denn jemals kapiert, warum das mit Monica Vitti und Alain Delon in

L´ECLISSE nicht klappte?

Nach der Aufgabe der Literatur befragt, sagte John Le Carré: Sie muss unterhalten, informieren und im besten Fall sollte sie „erhöhen“, also eine höhere Idee enthalten. Dieses Diktum kann man sicher auch teilweise auf das Medium Film übertragen. Vier durchaus radikale Filme im BERLINALE SHORTS-Programm kreisen  (unter anderen) ebenfalls um die mannigfaltigen (Un)Möglichkeiten der Liebe:

TA AV MIG (Victor Lindgren)  ist die Geschichte einer Barbekanntschaft und eines verpatzten One-Night-Stands. Ein versierter Womanizer trifft auf eine Frau, die einmal ein Mann war. Anziehung und Abstoßung wechseln sich ab in diesem Kampf der (drei) Geschlechter. Neugier und Lust auf das Neue enden mit Ernüchterung, Rückzug und ungestillter Sehnsucht. Tilt.

BESHIVHEY HAYOM (Oren Adaf) zeigt uns, wohin ein nicht funktionierendes Handy so führen kann – vom Cruising-Bereich eines Jerusalemer Parks bis ins Schlafzimmer eines Ex-Lovers. Lakonisch und nicht ohne Komik changiert der durchaus autobiografische Film zwischen Überdruss, Verzweiflung, Tristesse, Sehnsucht und Begehren, ohne weinerlich zu werden.

TRAUMFRAU (Oliver Schwarz)  gewährt uns einen sehr intimen Einblick in das Privatleben von Dirk und Jenny, in eine perfekte Puppenheimwelt der Liebe zwischen Traum und Realität, Tragik und Komik, deren Phantome der Liebe uns näher sind, als wir uns eingestehen wollen. Was ist der Körper, den wir umarmen? Ein Sehnsuchtsort, ein Strom von Verwandlungen, ein Fliessen von Visionen. Das Erotische ist imaginär, ist Schöpfung und Erfindung und eben auch…  diese Frau namens Jenny.

JA KADA SAM BILA KLINAC, BILA SAM KLINKA (Ivana Todorovic) zeigt uns, wie schön „einfache“ Menschen sein können. Was heißt das denn: Familie? Die fast 40jähjrige Transe Goca auf dem Weg zur Frau, eine No-Nonsense-Patchwork-Übermutti, eine amüsiert resignierte Sexworkerin, die auch in Netzstrümpfen ihrer Nichte bei den Hausaufgaben hilft. Selbstdefinition: „völlig undefiniert!“ Liebe Goca! Du bist zart wie ein Seufzer, hart wie ein Stahlseil – alles Gute!

Dies sind vier Filme der nicht nur körperlichen, sondern auch der seelischen Entblößung und Preisgabe… So unterschiedlich sie thematisch und formal auch sein mögen, sie enthalten alle einen verstörenden, aber auch erfrischenden Moment des Schocks, der einen Raum zum Denken, zum Diskutieren und zum (Mit)Empfinden eröffnet.

„Then, there is the matter of Julie Delphy, a stern reminder that the first duty of a film critic – the sole qualification, to be honest – is to fall regularily, and pointlessly, in love with the people on screen. Once this stops happening, you might as well give up and get a proper job.“ (Anthony Lane, à propos BEFORE SUNRISE)

Von Egbert Hörmann

langjähriges Auswahlmitglied Berlinale Shorts / Panorama Spielfilm /


Extreme aus Frankreich

Mit den beiden Filmen „La fugue“ (22 Minuten) von Jean-Bernard Marlin und „A coup de couteau denté“ (12 Minuten) von Clément Decaudin sind zwei extreme Erzählarten aus Frankreich bei den diesjährigen Berlinale Shorts. Radikal erzählt, ohne eine überflüssige Geste, reine Konzentration auf ein Thema.

Der Spielfilm „La Fugue“ („Die Ausreißerin“) erzählt in rasantem Tempo, getrieben von einer großartigen Kamera (Julien Poupard) und Regie, in gefühlter Realzeit, eine Lebensetappe in einer südfranzösischen Stadt. Eine jugendliche Frau (Médina Yalaoui) und ein junger Mann (Adel Bencherif), beide der Herkunft her Nordafrikaner, liefern sich einen Kampf auf dem Weg zu einem entscheidenden Termin, bei dem sich beide verantworten müssen: sie als Angeklagte vor dem Jugendgericht, er als für sie verantwortlicher Sozialarbeiter. Beider Verzweiflung, beider Kampf um Macht, Einsicht des anderen und Gerechtigkeit bleibt bis zum Ende unentschieden. Klar ist die Haltung des Gerichts: Es fordert, es duldet nicht, es maßregelt. Mit Recht.

Die dokumentarische Skizze „ A coup de couteau denté“ (ohne deutschen Titel, wörtlich etwa: mit dem Sägemesser zerschnitten) ist ebenfalls rasant (Kamera: Louise Molière), auch fragmentarisch und getrieben: von ohne Sprache erfassbarer Kraft, von Klang. Die Musik von PNEU. Es ist ein Wettkampf, ein Dialog, zwischen zwei entfesselten Instrumenten, die sich umkreisen, gemeinsam rasen, diskutieren, wettrennen, schreien. Schlagzeuger und E-Gitarrist allein im Probenraum, auf der Strasse vor strahlenden Zuhörern. Der Schnitt ist schroff, ungeschönt die Haltungen. Es herrscht Hingabe an die Musik, an den Strom.

Beiden Filmen ist dieselbe elektrische Grundhaltung zueigen: es gibt mit dem Prinzip von zwei Hauptfiguren jeweils die beiden Pole Plus und Minus zwischen denen die Energie fließt. Nur in diesen Filmen und das kann ausschließlich die Kunst, fließt die Energie nicht immer vom negativen Pol zum Positiven, sie kann sich auch umkehren und sie kehrt sich um. Wer die Macht hat ist nie ganz sicher. Der Strom springt. Sichtbar ist: es fließt Kraft zwischen den Leuten, die Verhältnisse kehren sich um, alle werden herausgefordert.

Saskia Walker

Mitglied des Auswahlgremiums der Berlinale Shorts,

Filmemacherin und Mitherausgeberin des REVOLVER


Manche Filme lassen sich einfach nacherzählen und bei manchen ist genau dies ein Ding der Unmöglichkeit. Eine Geschichte im klassischen Sinne gibt es weder in FORST von Ulu Braun noch in HYPOCENTRE von Xenia Lesniewski. Bei beiden Arbeiten erscheint es wichtiger einen nachhaltigen Eindruck oder gar einen Geruch zu hinterlassen, narrativ angelegte Erinnerungsstrukturen der Rezipienten und Rezipientinnen auszuhebeln und digital unterstütze Bildchoreografien in Szene zu setzen. In FORST steht man nicht nur buchstäblich im Wald, den Braun als sagenumwobene Erlebniscollage inszeniert, und welchen er mit einigen reizenden Fabelwesen bevölkert. Zu Beginn fallen rot „lackierte“ Blätter vom Baum, und fünf Personen gruppieren sich mit ihren Blasinstrumenten in einer Lichtung. Kurz darauf läuft eine nackte Joggerin auf einer mit Gummi gepflasterten Rennbahn, die durch einen Friedhof führt. Links im Bild sprüht ein bunter, digital animierter Konfetti-Regen. Überhaupt gehen viele Menschen in diesem breit gefächerten Themenpark ihren körperlichen Ertüchtigungen nach, liegen dann aber auch wieder faul im Liegestuhl oder Gras. Das Auge kommt während des gesamten Filmes kaum zur Ruhe, während die Ohren von der orchestralen Komposition von Max Knoth meditativ sanft eingelullt werden. In Erinnerung wird mir ein kleiner Spiderman bleiben, der von sichtbarer Geisterhand im Tagestaumel dahingleitet. In der Nase riecht der Film bereits nach Sommer.

HYPOCENTRE ist mit dem Produktionsjahr 2015 gecreditet und das ist mir als Zukunftsperspektive verdächtig nah. Gleich zu Beginn fragt der Film anhand seiner als Ton bzw. Schriftbild wahrnehmbaren Figuren: „Wie wars denn?“ Und man hört: „Sehr lustig“. Dieses Gefühl will sich aber nicht recht einstellen, und falls doch nur sehr verhalten. Mir ist mulmig zumute. Die Frau lacht öfters verschroben, der Mann lallt und schwafelt in einem Animationsmeer, in dem sich u.a. abstrakte Objekte, Schrifttafeln, Karl Lagerfeld und Ku Klux Klan Gestalten vermengen. Von Penthesilea und Achill ist auch kurz die Rede. Letzterer hat sich ja, so will es die griechischen Mythologie, erst in dem Moment verliebt, in dem er Penthesilea tötet. Die vernehmbaren Beziehungsfetzen, die durch den Film schleifen, versprechen nichts Gutes. HYPOCENTRE kriege ich als Konglomerat nicht zu fassen. Das stinkt mir, vielleicht auch weil hier buchstäblich Bergkristalle geschissen werden. Ein kruder Bauchwehfilm. Oder pfeift mir nur gerade der raue Wind zu stark um die Ohren? Ich rieche immer noch den Winter.

von Dietmar Schwärzler (sixpackfilm)


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by Merlin Flügel
(Germany 2013, 5 minutes)


Echo Still 300dpi 01

So hat es sich wirklich zugetragen: im Sommer 1954 hatte Walt Disney gerade vom Berliner Senat einen Ehrenpreis erhalten, weil er dem Festival immer seine schönsten Filme zur Verfügung gestellt hatte.  Da war die Berlinale gerade mal 4 Jahre alt und Walt Disney hatte schon grob geschätzt 500 seiner final 656 Werke produziert. Walt sitzt also erschöpft und fast zufrieden in einer tiefen Couch. Er hat schon einen oder auch zwei zur Feier getrunken, als er von dem vor ihm stehenden Couchtisch eines dieser dicken Bücher nimmt, eines mit Abbildungen der spindeldürren Katzen und Menschen,  die Alberto Giacometti entworfen hat.

Es trifft ihn wie ein Schlag: so etwas hat er noch nie gesehen. Sofort beauftragt er sein Büro, Alberto Giacometti die Zeichnungen für Bambi II anzubieten. Sein Büro fängt an zu recherchieren, wer denn das Buch dazu verfassen könnte. Es stöbert im surrealistisch-dadaistischen Bekanntenkreis von AG und nachdem man  schon glaubt,  in Kurt Schwitters den passenden Autor gefunden zu haben, fällt einem folgendes Gedicht von Christan Morgenstern in die Hand:

Ein Vierviertelschwein und eine Auftakteule
trafen sich im Schatten einer Säule,
die im Geiste ihres Schöpfers stand.
Und zum Spiel der Fiedelbogenpflanze
reichten sich die zwei zum Tanze Fuß und Hand.

Also Alberto Giacometti und Christian Morgenstern: die beiden sollten also Bambi II schreiben.

Wenn diese unglaubliche Geschichte nicht kürzlich in der New York Times erschienen wäre, dann hätte auch Merlin Flügel, der Student der Offenbacher Hochschule für Gestaltung nichts davon erfahren.  Er hatte gerade einen Film „vom Verschwinden“, über das ‚Innen und Außen, eine hypnotische Bootsfahrt ohne Fahrtwind“ abgeschlossen. Jetzt sehnte er sich danach, endlich mal wieder etwas Konkretes und Gefühlvolles zu entwickeln.  Flugs legte er Bambi in seinen Player und las zum Einschlafen einige Gedichte des großen Tierfreunds Morgenstern.

Die nächsten Wochen schuf er wie im Rausch und irgendwie, ja irgendetwas klingt von der irren Idee Walt Disneys nach: ein ECHO eben.

Von Wilhelm Faber


The lonely planet is painted in black and white. With only a very small head and without a face, the creatures in this world look weird. We don’t know what they’re looking for. It isn’t food, it isn’t company. They just are. They move according to the tambourine rhythm coming from nowhere and are nice to watch. One of the creatures is pot-bellied and walks on six legs as thin as threads so you wonder why it doesn’t fall down. The other one, banana-shaped follows the first one like an echo. Sometimes, they disappear in the water or in the swamps but they can still dance together. An animation about the essentials of movement, of live and of a fantasy world we usually see only in our dreams.

By Andrea Dittgen


E    C   H  O

Echo erzählt in reduzierter und wunderschöner Bildsprache von gehemmten Interaktionen, kleinen Ritualen und geschlossenen Gemeinschaften. Angesiedelt am Meer, verzaubert der Film durch seine eindringliche Atmosphäre und das poetische Spiel mit Zeit und Dauer. Dabei thematisiert Echo durchaus soziale Momente und die Frage nach der Zugehörigkeit zu einer Gruppe. Der Hauptprotagonist, ein Mann mit einem vasenartigen Hundewesen, scheint zu keiner der vorhandenen Gruppen, Stelzenmenschen und Trommeltänzer, zugehörig zu sein. Aus gesicherter Distanz beobachtet er das eigenartige Treiben der Grüppchen, während auf hoher See Häuser zu versinken drohen… Fast im Stile der estländischen und lettischen Animationsfilme entwickelt Echo ein eigenes absurdes Universum voller Fehlkommunikation und Dysfunktion. Häuser sind dabei eher Protagonisten als Behausungen. Eine Zuflucht oder einen Schutz bieten sie nicht. Die einzige Bezugsperson des Hauptdarstellers scheint sein Vierbeiner zu sein, der ihm treu zur Seite steht. Das Setting wirkt wie der Gründungsmythos von Völkern, die beginnen sich zu unterscheiden, eigene Handlungsmuster zu entwickeln und zu bestrafen. Die Anfangssequenz mit dem am Seil hängenden Hauptprotagonisten erscheint dabei wie eine Art Prophezeiung auf einen zukünftigen Ausschluss des Andersartigen durch die „kommende Gemeinschaft“ (Giorgio Agamben). Der Protagonist agiert dabei wie ein unschuldig Verstoßener, der seine Ausgrenzung ganz unreflektiert als Glück begreift oder wie es Agamben beschreibt: „Die schlimmste Strafe – der Entzug der Anschauung Gottes – verkehrt sich so für die Bewohner der Vorhölle in einen Zustand natürlicher Fröhlichkeit.“

von Ulrich Wegenast


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Ja kada sam bila klinac, bila sam klinka“ –
When I Was a Boy, I Was a Girl
by Ivana Todorovic
(Serbia 2013, 30 minutes)


protagonist Goca after the second screening
protagonist Goca after the second screening in the Collosseum

Goca was born Gordon, she’s a 39 year old transsexual, living in Belgrade, Serbia. Documentary filmmaker Ivana  Todorovic (33) follows her through her daily routine. Goca works as a call girl and  singer, additionally raising her teenage  niece Marina. She doesn’t really complain when her 18-year-old boyfriend steals her money, having learned to accept her strange family members as they are. She carefully watches her outfit before she leaves the house, because gay and transvestite people are not allowed to expose themselves as such. Sometimes she disguises as a man, hiding her long black hair under a Baseball cap. “I’m completely undefined”, she says laughingly. We don’t see her with her clients, but she’s relaxed when she gets her hormone injection.

Goca_ja kada sam bila

Her big deal is a reality show she has been invited to. She rehearses her monologue, she sings with a friend onstage, but she’s afraid to fail in front of millions of people. Talking about this problem with her boyfriend and her niece doesn’t help. Todorovics shows Goca ‘s modest means and her pride of which, which does not always cope with reality. “When I take a closer look, there is no future for me. No one will spend a life with a tranny”, she says. But the next moment, Goca smiles at her young boyfriend. On stage she says “I go through life with my head held high”.

By Andrea Dittgen

Berlinale 2013 - Kurzfilmwettbewerb "Berlinale Shorts"


by Ahd
(France/ Saudi Arabia 2012, 17 minutes)


Rules are strict for Muslim women in Saudi Arabia. If she loses her husband, she is not allowed to leave the house or to speak with another man for two months. A young widow, four months pregnant and without parents, is surprised when the brother of the deceased comes to her door and asks for a huge sum of money, the debts of the late husband. She has no money, she only has the house and she’s not allowed to take a job for two month. She goes out nevertheless, finds a wounded boy and takes him to her home to help her. He turns out to be the drug dealer of the neighborhood, but she kind of likes him and lets him stay. He buys the groceries for her and shares his benefits with her. Everything is fine until the brother of the deceased finds out about this: he wants his share of the benefits. Otherwise he’ll go to the police, he says. While the three are arguing, the boy vanishes but comes back to see that the woman’s water has broken. The film by Ahd (a female director who doesn’t give away her full name) tackles quite a lot of problems of women in a country where they are often held as prisoners. No one feels the urge to help the pregnant widow, only the boy. But he is also a man. He observes the widow when she’s half-naked in the apartment. The widow is upset, she feels vulnerable, but she also likes it because she knows she still is desired by someone. Ahd puts her reflective story in a thrilling short film.

By Andrea Dittgen


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About Ndugu
by David Munoz
(Spain 2013, 15 minutes)



The godson in Africa is called Ndugu. His foster father, 66 years old, writes him a letter announcing the death of his wife. Little Ndugu is shocked. He has to help the poor man and make him happy again! He takes the photo of his foster fathers and shows it around in the village. First he asks his grandma, an old widow: “Will you marry him?” She laughs at him, “I am too old”, she says. Ndugu is busy asking the other old women in his neighborhood to marry his foster father without success: “Look, he has grey hair!” said one of the old women to his friends. But the women don’t tease the boy. But they, too, don’t see the need to leave the nice African village and their quiet life. When the chief of the village hears about the boy’s attempts, he sends a nun to tell him to show his affection for the foster father in another way. But then the boy’s grandma comes. She wants to go to America to marry the guy.  This beautiful modern fairy tale by David Munoz (44) captures the life in an African village far from a big town and the intellectual world of a child. The pictures are quiet; everything is so lovely. And then you learn to see the demands in Europe and America to sponsor a child in the third world with new eyes.

By Andrea Dittgen


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Ta av mig
Undress Me
by Victor Lindgren
Sweden 2013, 15 minutes

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Boy meets girl in a bar, you can feel the sexual excitement. They are running through the streets in the night, when he suddenly discovered: she is taller than me, her voice is deeper than mine, she must be a man! “I had an operation three years ago,” she said. He survives the shock and becomes curious: “Can I see your breasts?” “Yes, but you have to show me your dick!” “Are you shaved?” The usual bed scene that follows is playing doctor. The two young adults behave like children exploring the Body of the opposite sex in a naïve but natural way. One word, one breast, one dick. Guess who lacks the courage to have sex? Right, it’s him. The leopard cannot change his spots. She seems to be used to this. The beautifully open-minded dialogue makes you laugh, then turn shy, as demanding sex scenes reach the quality of those in the feature film “The Sessions“(US 2012).

By Andrea Dittgen


Whaled Women
by Ewa Einhorn, Jeuno JE Kim
Sweden 2012, 9 minutes


Puppet women in a whale costume are invading earth, the little town Krabstadt is in uproar. Are they friendly, do than plan to kill us? The mayor is worried but decides to integrate them. Two grumpy employees of the Department of Development are responsible for the whaled women and put them in the refugee program. They are great dancers, but put into unsuitable workstations, they harm people unwillingly. When other whales are attacking the city and the mayor orders them killed, he forgets to exclude the whaled women, so they are killed, too. There is no longer an integration problem. Imagine a cartoon like “South Park”, dominated by women, and you will understand the humor of this animation. The characters are either cute or horrible, there is blood and laughter. Ewa Einhorn (35) and Jeuno JE Kim (35), the directors, made a colorful and surprising social satire of the new European craze to integrate everybody at all costs.

von Andrea Dittgen


„Whaled Women“ ist eine neue Form von „feminist trash“, eine Burleske über Institutionalisierung und Organisationsstrukturen. Die minimale 2D-Animation lebt von charmanten nordisk-englischen Dialogen, die den Albtraum absurder Bürokratie erlebbar machen: der Director of Development beispielsweise ist die Handpuppe eines Krümelmonster-artigen Geschöpfs – verschanzt hinter einem monumentalen Schreibtisch. Die Walfrauen sind selbst Opfer von zwanghaften Intergrationsmaßnahmen, nachdem sie ihren Lebensraum verlassen mussten und nun in der Tristesse von Krabstadt – dem Zentrum der Handlung und eine beliebige Stadt in der Arctic – gelandet sind – und das obwohl die beiden Hauptprotagonistinnen, die Sozialarbeiterinnen SchlopSchlop (SS) und KK, versuchen, die „Whaled Women“ in diesen Ort ohne Eigenschaften einzuführen.

Dementsprechend ist der Film auch eine Parabel auf unsinnigen politischen Aktivismus und die Vorstellung einer idealtypischen Homogenisierung unterschiedlichster Personengruppen. Dabei ist „Whaled Women“ sicherlich keine Ode an die Vielfalt, sondern signalisiert eher das Ende der „Difference“. Rigorosität und Gleichgültigkeit haben die Oberhand, wenn es um den Erhalt und den Versuch der „Eingliederung“ der sonderbaren Frauen geht.

Der Film endet grausam und lapidar.

von Ulrich Wegenast


Whaled Woman von Ewa Einhorn & Jeuno JE Kim erzählt die Geschichte von einer Stadt mit dem Namen Krabstadt. Es gibt zwei Protagonisten, die in dem Entwicklungs-Gebäude der Stadt arbeiten. Es geschieht eines Tages, dass die so genannten „Whaled Women“ an den Strand kommen. Die „Whaled Women“ sind Frauen mit einem Wal auf dem Kopf. Die Wal-Frauen erzählen, dass ihre Insel gesunken ist mit ihren Ehemännern und den Kindern. Da sie irgendwie überleben müssen, gehen sie arbeiten. Dieser Film ist auf witzige weise sehr brutal. Es macht jedoch einfach Spaß, einen so schön gemachten Film erleben zu dürfen. Der Film ist animiert und das macht das Ganze vollkommen.

Abschluss: Ein sehr schön gemachter Kurzfilm mit vielen neuen Effekten.

von Scott, 14 Jahre